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Great things to people

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      8 a.m. Francisco, el diarero: “Flaca, te olvidaste la Barzón”. Café y empezar a leer. Encontramos el artículo de Nicolas Kedzierski: “gt_2P parametric revolution, cuando la tecnología rompe fronteras” y, aprovechando el envión, decidimos cruzar la frontera virtualmente y contactarnos con la empresa de diseño chilena. Great things to people comenzó en 2009 y hoy es una de las propuestas de diseño más innovadoras de Sudamérica. El equipo está conformado por los arquitectos Guillermo Parada, Tamara Pérez, Sebastián Rozas, Juan Pablo Ugarte, el publicista Alexy Narváez y la politóloga Diana Duarte. “Crear ADN para generar familias de productos”, así es como define el trabajo de gt_2P Diana Duarte, su manager de contenido.

¿Cómo definen su estilo y las obras que realizan?
-Nuestro enfoque en la sistematización del conocimiento productivo y el soporte en el diseño paramétrico nos permite acumular lo que aprendemos en cada proyecto a través de algoritmos generativos y reproducirlo cuantas veces lo necesitemos, en la escala que sea requerido, sea en arquitectura, mobiliario, objetos o intervenciones en espacio público. Una vez que surge la idea, se identifican sus variables o parámetros relevantes (geometría, tamaño, materialidad, etc.), lo que permite sistematizarla y luego producirla.Tenemos también un interés por la investigación y experimentación permanente de nuevos procesos y materiales, llegando hasta los más tradicionales en Chile, como la cerámica, el gres y el vidrio soplado. Esto nos ha permitido profundizar en el concepto de digital crafting o “artesanía digital”, el cual está fundamentado en el diseño asistido por conocimiento computarizado y en la experiencia y el “know how” de artesanos chilenos, quienes alimentan y contribuyen a cualificar cada uno de nuestros “algoritmos generativos” o ADN.


     La arquitectura como gran fuente inspiradora se revela en cada una de las obras de gt_2P. Pero también hay referencias claras a la cultura, la naturaleza, el arte y el diseño. La regla G-Branch, por ejemplo, parte de la observación del crecimiento de las ramas de los árboles: “Esta regla plantea que tronco y rama forman parte de una misma entidad que se transforma, hay una derivación del tronco en cierto lugar de su crecimiento. Partiendo de esta premisa, la regla controla los puntos en los que crecen las ramas, el número de ramas en cada nodo y el ancho de cada rama”. A partir de un ADN se crearon dos piezas con escalas y procesos diferentes, el florero Heart Days Vase y Vibración Parronal, una obra de arte para la intervención de un edificio público: “El primero involucró un proceso de aprendizaje sobre fabricación tradicional de piezas cerámicas, mientras el segundo implicó conocimientos sobre el tratamiento de vigas de madera laminada”.
    “El diseño paramétrico resulta ser el instrumento más eficaz para la integración de las etapas de trabajo, ya que hay un manejo relacionado de variables relevantes geométricas y no geométricas de un proyecto. En este sentido, luego de sistematizar una idea es posible realizar las modificaciones deseadas y obtener nuevos resultados formales y presupuestales de los cambios en tiempo real. Por esta razón, cada una de las reglas de diseño que hemos desarrollado hasta ahora ha servido de insumo de varios proyectos o productos. Podríamos decir que hemos construido un “archivo” de reglas, al cual recurrimos cuando tenemos nuevos proyectos. Estas reglas nos brindan información que atraviesa todas las fases del proceso del diseño, así logramos optimizar nuestro trabajo, alimentar el conocimiento que vamos adquiriendo y plantearnos desafíos constantes”, sintetiza Duarte.

-¿Qué les gustaría que suceda con gt_2P en el futuro?
-Queremos continuar el camino que nos hemos trazado, abordando desde el diseño de objetos a la arquitectura, con las metodologías que hemos implementado. De manera que cada día tomemos encargos más complejos que nos lleven a explorar nuevos conocimientos técnicos y de manufactura, siempre en un proceso constante de actualización que nos permita responder a esos nuevos retos. Por otra parte, al “Capital Semilla Línea 2” de Corfo a mediados de 2010, un estudio de mercado nos indicó que contábamos con ventajas competitivas en el exterior, al enfocarnos en el diseño orientado a la manufactura, el uso de algoritmos y apoyarnos en tecnologías CAM (Computer-aided manufacturing), lo cual nos facilita la producción internacional por la compatibilidad tecnológica y el ahorro en los tiempos de producción. Así pues, la internacionalización de la empresa también es uno de los objetivos que esperamos alcanzar en el futuro.

¡Salud a gt_2P!

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ACHÍS en Puro Diseño

Hoy es el último día para visitar la Feria PuroDiseño. En los pasillos del pabellón amarillo de la Rural comentaban algunos expositores que la vida y el diseño están llenos de colores. Por eso, esta edición se inspiró en el concepto de colores, absolutamente presente en los stands y en todos los productos.

Achís recorrió la feria. Nos detuvimos en cada uno de los stands de diseño de indumentaria, accesorios de moda, artesanía contemporánea, objetos de diseño sustentable, arte, iluminación y gastronomía boutique. Un gran abanico de tendencias.

Como en las ediciones anteriores, los protagonistas son la combinación de texturas, el uso de materiales ecológicos, las técnicas de reciclados y la originalidad.

Este año, la ecología tuvo su lugar en espacio verde: bolsas de tela reutilizable, pañales acuáticos y sillas encastrables para chicos. Además, se puede recorrer el Museo Sustentable -un espacio que demuestra que no es sólo una moda sino que está instalado en el mercado y en la conciencia de los consumidores – y participar del taller Joyeros en acción, con cintas, pegamentos y pan todos podemos diseñar nuestra propia joya. Por supuesto, guiados por expertos.

Este año conocimos en la Feria Baja Rubén. Un “portero” blandito y redondo que lleva en su boca las llaves que la gente tira por la ventana cuando vienen visitas y ya nadie quiere bajar a abrir. Su creadora Juliana Raffa contó que vive en un tercer piso y se cansaron de meter las llaves en repasadores o medias. Por eso nació Rubén. Cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia.

Flor`s Bakery

Otro espacio imperdible es Puro Sabor, una nueva categoría en la que se exhiben por primera vez alimentos originales. El diseño y los colores también se ven en la comida y en su packaging. Caminando por la Feria nos dimos cuenta de que los cupcakes y las cookies son furor.

Con la participación de distintas disciplinas como la fotografía, la pintura, la gráfica, la escultura, la instalación y – por primera vez- el video el Paseo de las Artes es una cita obligada en Puro Diseño. Los artistas son Susana Di Pietro, Rodrigo Suárez, Vanina Braun, Andrés Comastri, Brenda González, Gabriela Jofré, Milagro Peralta Ramos, Filiberto Mugnani, Sol Carta, Martina Estrada, Silvia Cordero Vega, Mariana Guerrero y Alejandro Rozitchner. Además, el espacio está curado y desarrollado por Mariana Guerrero y Feria Puro Diseño.

Hoy es el último día para recorrer Puro Diseño.Tenés tiempo hasta las 10 de la noche para recorrer 12.000 m2  y disfrutar de las innovadoras propuestas de 350 expositores. Un popurrí para todos los gustos (y bolsillos).

¡Salud!

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Charlas en arteBA


Algunas recomendaciones para el fin de semana, según adn Cultura:

  • Sábado 21, de 13 a 14.30 hs: La herencia conceptual en la fotografía argentina, por Valeria González.

A fines de los años 60, las veleidades autorreferenciales de la fotografía conceptual prácticamente no tuvieron lugar en los contextos conflictivos de América latina. Más que al fracaso de la fotografía como documento social, los artistas ensayaron su amplificación y también la metáfora como puente para burlar la censura. Esa herencia se observa en la actualidad en el potencial crítico de la fotografía argentina y latinoamericana.

  • Domingo 22, de 13 a 14.30 hs: Reflexiones sobre el arte de las mujeres en la modernidad. A propósito de Louise Bourgeois por Hugo Petruschansky.

La charla reflexionará sobre las producciones artísticas enroladas en el feminismo de los años 60, el arte femenino posterior, las bad girls y el arte de género. A propósito de la muestra actual de Louise Bourgeois en Fundación Proa, se harán algunas reflexiones sobre su producción estética y simbólica.

  • Domingo 22, de 18 a 20 hs: ¿Puede el arte incidir en la transformación del mundo? por Andrea Giunta (escritora, curadora e investigadora), David Joselit (profesor de Historia del Arte de la Universidad de Yale, Estados Unidos) y Ana Longoni (escritora, profesora de la UBA e investigadora del Conicet).

La pregunta se repone con insistencia en el arte contemporáneo. Las estrategias desde las que se imaginan respuestas se organizan en imágenes, textos, ediciones, investigaciones. La intensidad y riqueza de sus articulaciones desmarcan los límites de las prácticas específicas; buscan tejer alianzas, compartir espacios de acción, diseñar plataformas compartidas. Los panelistas abordan algunas de las estrategias que han servido para activar el poder de intervención de la cultura.

¡El domingo vamos a la Feria!

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Concurso Complot

La marca Complot invita a participar de un concurso de fotografía en el cual el ganador estampará su imagen en una prenda. Las fotografías pueden tener un tamaño máximo de 22 x 32 cm (1300 x 1900 pixeles), con una resolución de 150 dpi.

De paso, les mostramos la campaña Otoño/Invierno 2011 de la marca, así tienen a Tallulah Morton como musa. El concurso termina el 20 de mayo.

El jurado está compuesto por el equipo de diseño de Complot y los fotógrafos Nacho Ricci y Lobo Velar. Los premios:

Primer premio: Cámara Lomográfica marca Holga 120 modelo Candy GCFN con un lente y visor ojo de pez, una adaptación a 35 mm, dos rollos formato medio, un rollo formato 35mm y dos pilas; y una orden de compra de $2.000

Segundo premio: Cámara Lomográfica marca Holga modelo Tim Rosa con un flash con gelatinas de colores, dos rollos de formato 35 mm, dos pilas y un cd informativo; y  una orden de compra de $1.000

Tercer premio: Cámara Lomográfica marca Holga Cat con dos rollos 35 mm, dos pilas y un cd informativo.

Para más info visitá la página del CONCURSO.

¡Suerte!

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“Soy un pintor de cuadros”

Luego de varios años de exposiciones en ámbitos públicos de gran prestigio (Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Palacio del Correo; y la realización del mural de la cúpula del Teatro Reggio), el artista Ariel Mlynarzewicz colgó Amores en la Galería de Arte Agalma. Con una pincelada clara explora el mundo –tal vez indescriptible– de los afectos, los abrazos y la proximidad. Colores puros y contrastantes dominan la muestra en la que intervienen mujeres, parejas, naturaleza y vínculos.

Para disfrutar de estas obras, nos pareció una buena idea seleccionar un fragmento de una entrevista publicada en la revista digital Esto no es una revista. Allí el periodista Javier Martínez pinta la figura del artista de una manera exquisita: “Hablar con Ariel Mlynarzewicz es internarse en un mundo en el cual el color, la perspectiva, la tela y la materia le ganan la pulseada a la tecnología. Un mundo cotidiano que este maestro del pincel convierte en verdaderas obras de arte”.

En Achís creemos que es una excelente entrevista colmada de buenas respuestas. Lo que sigue vale la pena leer:

-Tu tarjeta de presentación dice “Pintor de Cuadros” que, más que un simple modo de nombrarse, es una declaración de principios. ¿Por qué lo elegiste?

Todo empezó en alguna de las maravillosas series de grabados de Goya, no sé si es en los Caprichos o la Tauromaquia, en el que hay un autorretrato que dice “FCO Francisco de Goya y Lucientes, pintor de cuadros” o algo así. Y me pareció una presentación tan honesta, humilde y sincera que la tomé, haciéndole honores al gran maestro y, aparte, porque representa lo que somos, más allá del talento de cada quien. Volviendo al oficio de pintor, nombrarse así es una manera de hacerle honor. Sobre todo en un momento en el que se promueve tanto otro tipo de expresiones artísticas más contemporáneas utilizando herramientas más tecnológicas y demás, reconocerse como un simple pintor de cuadros, para mí que no sé prender una computadora,  es plantear con honestidad lo que hago. Quizás un artista, hoy, es alguien que se dedica a hacer instalaciones, con un gran taller y 20 empleados que le hacen las cosas. Yo soy un simple pintor, casi un artesano que pinta a mano sus cuadros. Incluso, cuando pinté la cúpula del Teatro Regio también opté por pintarla solo, sin asistentes, porque me pareció una experiencia interesante para vivirla solo. Por eso me gusta presentarme de esa manera. No me pidan más nada que no sea pintar cuadros (risas).

-Color, materia y perspectiva. ¿Cómo juegan esos tres conceptos en tu trabajo?

Depende del cuadro. Hay cuadros donde prima el color, donde lo que tiene que ver con la composición en cuanto a perspectiva o planos de profundidad puede dejarse de lado. Hay otros tipos de cuadro donde prima el dibujo, la profundidad, el espacio, como esos abrazos que pinté en blanco y negro donde hay un manejo del espacio, una prioridad en mi manera de concebir el cuadro que tiene que ver con el manejo del espacio. En general, cuando hay materia hay color. Cuando tengo ganas de poner materia es, también, con mucho color. Y hay cuadros en los que están más equilibrados estos tres recursos.

-¿Cuál de esos recursos es el que más te gusta?

El tema de la materia es ancestral, ¿no? Más que trabajo es juego; la actitud lúdica que uno tiene frente a grandes cantidades de materia con olor a trementina, aceites es un recuerdo infantil, de una etapa anal. Y uno empieza a tener algunas sensaciones de ese mundo pre-infantil en el cual era inmensamente feliz. Creo que ahí es donde uno tiene puesto el deseo en algo ancestral. Mientras que cuando uno está dibujando, entre otras cuestiones, hay otro tipo de reflexión. El dibujo diseña, ordena, tiene un carácter más maduro.

Primero, la obra en palabras del autor. Luego, la obra:

Más info:  

Ariel Mlynarzewicz
Del 6 de abril al 6 de mayo de 2011

Galería de Arte Agalma
(Arroyo 882, Buenos Aires)

www.agalmaarte.com

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¿Quién dijo que el otoño es triste?

Ayer se presentó en GP Espacio de Arte Colores de Otoño una muestra muy particular en la que el artista Rodrigo Suárez se encarga de desmitificar aquella idea que postula que el otoño es triste. La exhibición está compuesta por 16 obras inéditas realizadas en acrílico y técnica mixta.

Tomando como punto de partida el otoño, Suárez presenta espacios, escenas y situaciones superpuestas con hojas otoñales que caen en su obra. Todo recreado con su particular uso de una paleta vigorosa que se encarga de imprimir un carácter positivo y enérgico en cada cuadro.  El color –colocado sin vacilación– resulta muy estimulante para el observador.

¡Excelente muestra!

GP Espacio de Arte

Cabrera 4934

Lun a Vie de 11 a 20 hs. Sáb de 14 a 20 hs.

Entrada libre y gratuita

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I LOVE MIBA

MIBA (Museo de Ideas e Inventos de Barcelona) es el nuevo juguete preferido de la ciudad española. La filosofía del MIBA está enlazada con la trayectoria profesional de Pep Torres dentro del mundo de la invención y la creatividad. El objetivo es provocar al espectador y despertar sus ideas latentes. Un ideal ambicioso y poco ortodoxo, aunque sumamente refrescante.

La reforma del edificio histórico de 1874 fue realizada por el estudio de arquitectura Juanola & De Miguel, quien respetó la arquitectura original pero lo convirtió en un espacio moderno, tecnológico y vanguardista. En los dos pisos del museo se aprecian toboganes gigantes, pantallas de video en los baños; todos inventos delirantes, absurdos o revolucionarios. Uno de los espacios más interesantes para pensar es el Archivo Subversivo, en el cual los visitantes pueden ejercer la libertad máxima de expresión.

¡Salud al MIBA y a Barcelona!

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Moda surrealista

Revista Para Ti. Jean-Charles de Castelbajac.

 

El diseñador francés Jean-Charles de Castebajac presentó en un exclusivo salón del Louvre su desfile inspirado en la obra de Man Ray, el artista impulsor de los movimientos surrealista y dadaísta de los años 20. Castelbajac, considerado el Rey Pop de la moda parisina, diseña para mujeres audaces, que se atreven a todo, que no dudan. Un claro ejemplo es el uso de un vestido strapless con un esqueleto sobredimensionado en el frente en clara alusión a las radiografías de Ray.

Revista Para Ti. Jean-Charles de Castelbajac.

El arte de Man Ray aparece a lo largo de la colección y como hilo conductor de una moda absolutamente original que se manifiesta en los colores vibrantes, en materiales inusuales y divertidos diseños. La colección roza lo macabro y lo fantástico por partes iguales y se manifiesta en imágenes que se repiten y multiplican en todo tipo de prendas: pantalones anchos, vestidos chemisier corto o, bien, al bies. Además, las texturas van desde paño de lana ribeteado hasta terciopelo, pasando por el  cuero y la seda. Nos encantó el uso de la obra Glass Tears, como parte del estampado de un vestido largo y como tocado de otro vestido con caras estampadas.

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El ilusionista Cayetano Ferrer

Les presentamos algunas fotografías del estadounidense Cayetano Ferrer. En sus fotografías hay objetos que desaparecen frente a los ojos del espectador. Para generar ese efecto, pega unas imágenes sobre otras. Además, realiza instalaciones de video en las que combina distintas técnicas. Un mezclador de estilos que genera imágenes con impacto.

Los invitamos a navegar su sito web y disfrutar de sus obras más representativas: City of Chicago, Proposal for a Las Vegas Casino, Daejeon City Project y Western Imports.

Cayetano Ferrer.

¡Salud!

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Arte urbano puertas adentro

Proyecto Fauna pintando un elefante en Skatepark.

Proyecto Fauna – el colectivo artístico de Mar del Plata que encuentra en el Street Art el lenguaje ideal para generar intervenciones urbanas de gran impacto y lograr una estética poco común – presenta desde hoy su muestra Me gusta si me quedo, me asusta si me voy.

El Espacio 6.0 (Gurruchaga 1287) abre sus puertas para que excelentes artistas den a conocer  su obra y expresiones. Tal como explican en su sitio web Proyecto Fauna nació en Mar del Plata ante la necesidad de crear un espacio de expresión, comunicación y experimentación, donde predomine la libertad. Realizan un trabajo visualmente apasionante que evoluciona ante los cambios externos, logrando modelar el entorno visual urbano. Una definición: “Proyecto Fauna es un síntoma de un sistema que desespera y aburre, se traslada de distintas formas y estados de ánimo, y su propósito es el eco”.

Proyecto Fauna.

Si bien las intervenciones urbanas son la nota característica, Proyecto Fauna también desarrolla obras sobre tela o papel. Cualquier soporte es válido para plasmar su arte. Si querés conocerlos un poco más, te dejamos un párrafo que escribió Mario Gemin para la muestra denominada Proyecto Fauna 2003- 2010: “Fauna trabaja en la ciudad. El espacio público es su radio de acción. Un espacio caótico donde se superponen capas de información. Allí inserta sus señales poéticas, como despertadores del sueño televisivo, digital, o los cantos de sirenas de turno. Nadie les asegura que funcionen, sin embargo, lo siguen haciendo. Con intensidad. Con entrega. Los anima la desesperación por crear conciencia”.

Proyecto Fauna pintando a Astor Piazzola.

Tenés tiempo hasta el 17 de abril para disfrutar el arte urbano. En esta ocasión, puertas adentro.

¡Salud!

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