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D&D by ACHÍS!

El viernes a la noche nos dimos una vuelta por la segunda versión de la Feria D&D Diseño y Decoración en Costa Salguero. Acá, nuestros elegidos. Una de estas piezas será parte de Estudio ACHÍS! muy pronto!

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En casi todas las fotografías

Nº87 Julio 1958, Llansa

Erik Kessels encontró una caja que guardaba un secreto: una serie de fotografías tomadas desde 1956 a 1968 sacadas por un hombre común a su mujer durante las vacaciones. Son días como cualquier otro: en una playa, junto a una fuente, en una montaña, sobre un puente, en la nieve, en una iglesia o al lado de una Santa Rita. A medida que pasamos las páginas vemos que a ella le cambia el pelo, los anteojos, la piel, el humor… La conocemos a Ella, o creemos conocerla, y de a poco también lo conocemos a Él.

Nº11 Julio 1956, Cala Grifen

Hace cuatro años alguien nos mostró In almost every picture (editado por Kessels) y hoy lo conseguimos. La pregunta que atraviesa el libro es cuál es el significado de una fotografía. En La cámara lúcida de Roland Barthes encontramos una respuesta: “La fotografía tiene algo que ver con la resurrección”.

Nº95 Agosto 1958, Tibidabo-Agosto

En el prólogo, Kessels escribe:

bailar con, saber, soñar con, nadar en el mar con, comer con, compartir con, charlar con, viajar con, reír con, leer con, admirar, abrazar, extrañar, confiar, vivir con, cantar con, tocar, adorar, clamar, jugar con, dormir con, hacer feliz a alguien, amar …verte en casi todas las fotografías

Nº128 Julio 1959, Camp de Mar

Y se nos cruzó el final de la película Con ánimo de amar de Wong Kar Wai:

“Él recuerda esa época pasada como si mirase a través de un cristal cubierto de polvo.

El pasado es algo que puede ver pero no tocar

Y todo cuanto ve está borroso y confuso”.

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El tiempo según Agnès Thurnauer


La revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos acerca un diálogo atento con una de las artistas más elocuentes de la escena francesa actual. La artista Agnès Thurnauer participó en la megaexposición elles@pompidou con una instalación que cuestiona la ausencia de nombres femeninos en la historia del arte occidental.

En Achís les acercamos algunas palabras de Agnès sobre el tiempo y, como fanáticas de Barzón, les recomendamos que consigan el último número que salió en abril.

-¿Y cuál es la dimensión del tiempo en tu obra?

-En el atelier estoy sola con el cuadro. Sola con la pintura, el espacio y el tiempo. El tiempo es fundamental. Por un lado, porque cuando trabajo pierdo la noción del tiempo y se confunde con el espacio de la pintura, y sobre todo, porque cada vez más tengo una mayor distancia con la noción de contemporaneidad. Creo que uno tiene que ser del tiempo de uno  (el tiempo propio) antes que ser de su tiempo (el tiempo de su época). Pienso que es solamente respetando esta propia temporalidad que la obra de un artista no es producida por una época, sino que participa a producir la época en la que él o ella vive. Si no trabajo con la idea de espectador, creo que mi trabajo está abierto al pensamiento y por lo tanto abierto al que lo mira. Cuanto más enigmático es un cuadro más me sobrepasa, y más convencida estoy de que la persona que lo mire va a encontrar algún interés en él, porque será inagotable. Para mí la pintura es eso: ofrecer un enigma continuamente reconducido por la mirada que se posa sobre él, un enigma que, mientras nos lleva a otra parte, nos hace presentes aquí. A nosotros mismos.

-¿Qué es el arte para vos?

Creo que cada vez me siento más atraída hacia la noción de enigma. Una obra es un evento que cede nunca. Este enigma del que decía antes que es continuamente reactivado por la mirada cada vez que se posa sobre él. Para mí el arte es una dimensión, que está al mismo tiempo fuera y dentro del tiempo, exactamente ahora mismo: un enigma que nos abre a nuestra presencia y a nuestra propia intemporalidad.

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Florencia Blanco en G7

Florencia Blanco. Irma y Aquiles, Fotografía directa, 70 x 70 cm, 2008.

La fotógrafa Florencia Blanco charló con la Revista G7 acerca del crecimiento de la fotografía en la Argentina y de su carrera como fotógrafa y asistente cinematográfica. La Colección Fotógrafos Argentinos publicó en 2010 su libro Salteños, con textos del sociólogo Christian Ferrer.

Les presentamos algunos fragmentos de la entrevista realizada por Malena Sánchez Moccero. Además, les recomendamos tres artículos de G7: la entrevista a la artista plástica Adriana Minolti, el acercamiento a la obra del realizador de videoarte Andrés Denegri y las reflexiones de Nahuel Vecino.

Florencia Blanco. Jesús, Rubén y Adrián, Fotografía directa, 70 x 70 cm, 2008.

¿Qué convierte a una persona con una cámara en una artista?

Más allá del manejo básico de la cámara, un fotógrafo tiene que contar algo, tener cierta poesía, una metáfora. Debe sumergirse en un relato que resulte interesante para él y para el público. Eso no figura en los manuales de las cámaras digitales.

¿Creés que los artistas cumplen un rol social?

Sí. Los artistas siempre están afectados por lo que sucede alrededor, que se inmiscuye en su relato. Creo que todas las artes tienen una relación profunda con el entorno, con la cultura, con lo que pasa en un país, en una ciudad, en un grupo social.

¿Pensás en el espectador cuando tomás una fotografía?

No. Si pienso en el público, las fotos salen mal porque me desconcentro. El foco tiene que ponerse en el lugar donde estoy, en aquello con lo que me estoy contactando, que me emociona. Para hacer fotos, hay que estar muy presente en el aquí y ahora.

¡Salud!

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Moda surrealista

Revista Para Ti. Jean-Charles de Castelbajac.

 

El diseñador francés Jean-Charles de Castebajac presentó en un exclusivo salón del Louvre su desfile inspirado en la obra de Man Ray, el artista impulsor de los movimientos surrealista y dadaísta de los años 20. Castelbajac, considerado el Rey Pop de la moda parisina, diseña para mujeres audaces, que se atreven a todo, que no dudan. Un claro ejemplo es el uso de un vestido strapless con un esqueleto sobredimensionado en el frente en clara alusión a las radiografías de Ray.

Revista Para Ti. Jean-Charles de Castelbajac.

El arte de Man Ray aparece a lo largo de la colección y como hilo conductor de una moda absolutamente original que se manifiesta en los colores vibrantes, en materiales inusuales y divertidos diseños. La colección roza lo macabro y lo fantástico por partes iguales y se manifiesta en imágenes que se repiten y multiplican en todo tipo de prendas: pantalones anchos, vestidos chemisier corto o, bien, al bies. Además, las texturas van desde paño de lana ribeteado hasta terciopelo, pasando por el  cuero y la seda. Nos encantó el uso de la obra Glass Tears, como parte del estampado de un vestido largo y como tocado de otro vestido con caras estampadas.

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Metáfora de mujer

Kiki Lawrie, reciente ganadora del premio Benito Quinquela Martín, se sumerge – a través de su particular estética –en el curioso universo femenino. Metáfora de mujer es una búsqueda intimista y personal de la identidad a través del vestido, el traje y la materia. Sucede que en cada obra se genera un hilo conductor de una historia que a veces parece una autobiografía de la artista.

Con producción de PLat (Pensamiento Lateral), la exhibición recrea un universo puramente femenino, donde las obras se convierten en una sucesión de rupturas que convergen en una nueva resignificación. Es ahí donde se puede observar a una artista desafiante que se anima a correr los límites. Kiki Lawrie, logra adaptar diversos lenguajes con absoluta naturalidad y expone su espíritu rebelde y, al mismo tiempo, lúdico. El deseo de no permanecer en el mismo lugar recorre la muestra completamente.

La muestra podrá visitarse en Espacio Cetol (Av. Del Libertador 6188) hasta el día 29 de abril.

Absolutamente recomendable para todos los amantes del arte (también para los hombres).

 

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Virginia Woolf

Hoy se cumplen 70 años de la muerte de una de las escritoras fundamentales del modernismo literario del siglo XX. Por eso, en Achís queremos recomendar una película y un artículo sobre la escritora.

Las horas (The hours) es un drama estadounidense -dirigido por Stephen Daldry- que revela el día de tres mujeres que viven en diferentes épocas, cuyas vidas se conectan a través de la novela Mrs. Dalloway.  Las tres mujeres de la película llevan piedras pesadas en sus bolsillos.

Por otra parte, La Revista de Cultura Ñ nos acerca Formas de narrar la angustia, escrito por María José Eyras y Cecilia Sorrentino. En el artículo del sábado 26 de marzo, las autoras esbozan algunas claves para explicar qué dificulta hoy el acceso a la obra de Woolf. Para ello, reproducen un pasaje del ensayo La narrativa moderna:

“…si un escritor fuera un hombre libre y no un esclavo, si pudiera escribir lo que quisiera, no lo que debiera, si pudiera basar su obra en su propia sensibilidad y no en convenciones, no habría entonces trama ni humor ni tragedia ni componente romántico ni catástrofe al estilo establecido, y quizá ni un solo botón cosido como lo harían los sastres de Bond Street.

La vida no es una serie de lámparas de calesa dispuestas simétricamente; la vida es un halo luminoso, una envoltura semitransparente que nos recubre desde el principio de la conciencia hasta el final”.

El 28 de marzo de 1941, una realidad amarga recubría su existencia y Virginia Woolf decidió su destino. En el río Ouse llenó los bolsillos de su abrigo con piedras.

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Mujeres bellas al azar

“Cuando veo una mujer atractiva, hago lo que mejor sé hacer, fotografiarla”, dijo una vez Garry Winogrand (1928-1984). En el diario El País, Julia Luzan escribió un artículo acerca de la serie de fotografías Women are beatiful (Las mujeres son bellas), que próximamente se va a exhibir en la Fundación Foto Colectania en Barcelona.

Winogrand nació en el Bronx neoyorquino y cambió la forma de pensar la fotografía. Sus imágenes, tomadas en las calles de Nueva York, son hoy documentos valiosos que reflejan la década del 70.

La serie de fotografías que presentamos en Achís no constituyen un reportaje, sino que las tomas fueron realizadas al azar. Winogrand era un obsesivo: “Fotografío para ver cómo se ven las cosas cuando son fotografiadas”. En esta ocasión, disparó su cámara aproximadamente 15 mil veces.

Si bien el ensayo Las mujeres son bellas no fue muy bien visto por los críticos, se convirtió en un símbolo de la época: mujeres que se manifestaban con pancartas, que irrumpían en los oficios que hasta ese momento eran exclusivos de los hombres, que pedían la legalización del aborto y que mostraban su cuerpo sin inhibiciones.

“No sé si todas las mujeres de las fotos son bellas, pero sí que las mujeres son bellas en las fotos”, escribió en el prólogo de su libro. Es verdad que Winogrand casi no miraba por el visor y que tomaba las fotografías sin encuadrar, lo que hoy muchos aficionados hacen con los dispositivos fotográficos de sus celulares. También sacaba miles y miles de fotografías: en 1984, luego de su muerte, dejó en su estudio más de 300 mil rollos sin revelar y miles de imágenes sin clasificar. Un tesoro.

¿Era fotógrafo por tener una cámara y tomar instantáneas en las calles?

NO.

Entre las fotografías de Winogrand y las miles de imágenes que se suben diariamente a Internet…hay un abismo.

¡Salud!

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Sueños y pesadillas femeninos

Grete Stern, En el andén (Sueño Nº 2), 1949. Fotomontaje en blanco y negro sobre papel, 19 x 28 cm.

En el Malba, desde hoy hasta el 25 de abril, se exhibirá una muestra de fotomontajes de Grete Stern. La serie Los sueños 1948-1951 fue el resultado de la participación de la fotógrafa en el proyecto “El psicoanálisis le ayudará”. En 1948, la Revista Idilio comenzó a ofrecer una aguda interpretación de los sueños de las lectoras a cargo de Gino Germani, quien se hacía pasar por un tal Richard Rest; y  Gret Stern fue quien ilustró los sueños y las pesadillas de aquellas mujeres. Los fotomontajes están repletos de mujeres aterradas y de sueños que devienen pesadillas.

Grete Stern, Botella del mar (Sueño Nº 5), 1950. Fotomontaje en blanco y negro sobre papel, 24 x 30 cm.

“La mujer de los sueños de Grete es un ser angustiado y oprimido. Sus placeres son patéticos, igual que sus frustraciones; y cuando se la ve activa y dominante, es tan cruel como el mundo que la agobia. Sus ambiciones reflejan las utopías de melodramas y radionovelas: éxito social, riqueza, guantes largos y lamé (…) La mirada zumbona y sarcástica de Grete no se detiene en la compasión por la víctima, sino que avanza también sobre los resultados alienantes de su resignación. Que estos trabajos fueran presentados para la revista del corazón que se editaba en el país, les agregaba una nota de humor e ironía adicional”, afirma el investigador Luis Priamo en el catálogo de la exposición Grete Stern, Obra fotográfica en la Argentina, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 1995.

Grete Stern, Sirena del mar (Sueño Nº 16), ca. 1950. Fotomontaje en blanco y negro sobre papel, 24 x 30,5 cm.

Nosotros vamos este miércoles…

Salud y gracias al Malba!

Malba

Avda. Figueroa Alcorta 3415
25 de febrero- 25 de abril
Sala 3 (1º piso)
info@malba.org.ar

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