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Great things to people

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      8 a.m. Francisco, el diarero: “Flaca, te olvidaste la Barzón”. Café y empezar a leer. Encontramos el artículo de Nicolas Kedzierski: “gt_2P parametric revolution, cuando la tecnología rompe fronteras” y, aprovechando el envión, decidimos cruzar la frontera virtualmente y contactarnos con la empresa de diseño chilena. Great things to people comenzó en 2009 y hoy es una de las propuestas de diseño más innovadoras de Sudamérica. El equipo está conformado por los arquitectos Guillermo Parada, Tamara Pérez, Sebastián Rozas, Juan Pablo Ugarte, el publicista Alexy Narváez y la politóloga Diana Duarte. “Crear ADN para generar familias de productos”, así es como define el trabajo de gt_2P Diana Duarte, su manager de contenido.

¿Cómo definen su estilo y las obras que realizan?
-Nuestro enfoque en la sistematización del conocimiento productivo y el soporte en el diseño paramétrico nos permite acumular lo que aprendemos en cada proyecto a través de algoritmos generativos y reproducirlo cuantas veces lo necesitemos, en la escala que sea requerido, sea en arquitectura, mobiliario, objetos o intervenciones en espacio público. Una vez que surge la idea, se identifican sus variables o parámetros relevantes (geometría, tamaño, materialidad, etc.), lo que permite sistematizarla y luego producirla.Tenemos también un interés por la investigación y experimentación permanente de nuevos procesos y materiales, llegando hasta los más tradicionales en Chile, como la cerámica, el gres y el vidrio soplado. Esto nos ha permitido profundizar en el concepto de digital crafting o “artesanía digital”, el cual está fundamentado en el diseño asistido por conocimiento computarizado y en la experiencia y el “know how” de artesanos chilenos, quienes alimentan y contribuyen a cualificar cada uno de nuestros “algoritmos generativos” o ADN.


     La arquitectura como gran fuente inspiradora se revela en cada una de las obras de gt_2P. Pero también hay referencias claras a la cultura, la naturaleza, el arte y el diseño. La regla G-Branch, por ejemplo, parte de la observación del crecimiento de las ramas de los árboles: “Esta regla plantea que tronco y rama forman parte de una misma entidad que se transforma, hay una derivación del tronco en cierto lugar de su crecimiento. Partiendo de esta premisa, la regla controla los puntos en los que crecen las ramas, el número de ramas en cada nodo y el ancho de cada rama”. A partir de un ADN se crearon dos piezas con escalas y procesos diferentes, el florero Heart Days Vase y Vibración Parronal, una obra de arte para la intervención de un edificio público: “El primero involucró un proceso de aprendizaje sobre fabricación tradicional de piezas cerámicas, mientras el segundo implicó conocimientos sobre el tratamiento de vigas de madera laminada”.
    “El diseño paramétrico resulta ser el instrumento más eficaz para la integración de las etapas de trabajo, ya que hay un manejo relacionado de variables relevantes geométricas y no geométricas de un proyecto. En este sentido, luego de sistematizar una idea es posible realizar las modificaciones deseadas y obtener nuevos resultados formales y presupuestales de los cambios en tiempo real. Por esta razón, cada una de las reglas de diseño que hemos desarrollado hasta ahora ha servido de insumo de varios proyectos o productos. Podríamos decir que hemos construido un “archivo” de reglas, al cual recurrimos cuando tenemos nuevos proyectos. Estas reglas nos brindan información que atraviesa todas las fases del proceso del diseño, así logramos optimizar nuestro trabajo, alimentar el conocimiento que vamos adquiriendo y plantearnos desafíos constantes”, sintetiza Duarte.

-¿Qué les gustaría que suceda con gt_2P en el futuro?
-Queremos continuar el camino que nos hemos trazado, abordando desde el diseño de objetos a la arquitectura, con las metodologías que hemos implementado. De manera que cada día tomemos encargos más complejos que nos lleven a explorar nuevos conocimientos técnicos y de manufactura, siempre en un proceso constante de actualización que nos permita responder a esos nuevos retos. Por otra parte, al “Capital Semilla Línea 2” de Corfo a mediados de 2010, un estudio de mercado nos indicó que contábamos con ventajas competitivas en el exterior, al enfocarnos en el diseño orientado a la manufactura, el uso de algoritmos y apoyarnos en tecnologías CAM (Computer-aided manufacturing), lo cual nos facilita la producción internacional por la compatibilidad tecnológica y el ahorro en los tiempos de producción. Así pues, la internacionalización de la empresa también es uno de los objetivos que esperamos alcanzar en el futuro.

¡Salud a gt_2P!

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Niños que juegan

“Yo fui un niño muy precoz y entonces todo lo que había de barato en la inteligencia de lo que los niños llaman los grandes –o sea, de mi familia en esa época- yo lo percibía casi con crueldad.  Yo oía hablar a mi familia y sabía por adelantado lo que iban a decir. Porque un lugar común traía el otro. Era un sistema de pensamientos ya ordenados en el plano de la política, en el plano de la comida, en el plano de la salud, de si había que bañarse con agua fría o tibia, que si el bicarbonato es bueno o malo.

Y yo me divertía silenciosamente adelantándome a todo lo que la gente iba a decir. Yo sabía que después que mi madre dijera una frase determinada, mi abuela iba a decir otra que, en la mayoría de los casos, era la que yo había previsto. Empalmaban un lugar común con el otro, un juicio con el otro (…) Frente a ciertos lugares comunes yo tenía la impresión de que probablemente la verdad estaba en lo contrario. Naturalmente, el niño no dice esas cosas porque se expone a que le peguen un bife en esos hogares argentinos donde el niño es el niño y el grande es el grande y tiene razón porque es grande, no porque sepa más”.

(Julio Cortázar, Omar Prego Gadea: La fascinación de las palabras)

La última edición de la Revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos sorprendió con “Los artistas cachorros”. En el artículo,  la curadora Domitila Bedel cuenta cómo surgió Cachorros, obras de infancia, una muestra que se presenta en la Galería miaumiau hasta el 6 de mayo (Bulnes 2705 – Lunes a Viernes de 15 a 20 hs) y recopila una selección de dibujos de la niñez de los artistas Nahuel Vecino, Liliana Porter, Amaya Bouquet, Alfredo Prior, Ignacio Valdez, Clorindo Testa, Jill Mulleady, Alina Perkins, Juan Becú, Nicolás Bedel, Manuel Mendanha, Fernanda Laguna, Diego Gravinese y Pablo Siquier.

Las palabras de Domitila nos acercan a las de Cortázar: “Cuando estábamos armando el libro, cada vez que le preguntábamos a los artistas por su infancia recordaban algún dibujo o ese espacio temporal donde dibujaban. Noté que siempre, de alguna manera, era un lugar al que, queriendo o no, se intentaba regresar”. La muestra precisó de una labor casi antropológica de Domitila, que tuvo que contactar a las madres, tías y abuelas de los artistas, vaciar carpetas, desempolvar bauleras y revolver sótanos.

El armado del catálogo de la muestra también presentó desafíos. Domitila cuenta (¡perdón a los críticos!) que no podía haber un texto teórico y aburrido para presentar la muestra y decidió convocar a distintos narradores para que interpretaran los dibujos de los artistas y escribieran un cuento: “Cada cuento es una forma diferente de definir lo infantil y cada cuento es también una forma distinta de viajar hacia allá. La muestra tiene algo muy cercano a un viaje a la verdad, pero no desde el lado melancólico sino desde la posibilidad y el reencuentro”.

Las narraciones son tan diversas como los autores: algunos prefieren contar un cuento para niños, otros imaginan al pequeño artista culminando su obra y hay quienes observan que el dibujo no es infantil y sospechan que el niño es más adulto que infante. Sylvia Moloy, por ejemplo, la piensa a Liliana Porter en pijama leyendo a la noche debajo de un árbol. La escritora imagina a la pequeña Porter dentro de una historia atravesada por castigos, vecinos extraños y niñas duplicadas. También escriben sus impresiones Daniel Link, Cecilia Pavon, Damián Ríos, Ariel Schettini,
Guillermo Piro, Domitila Bedel, Marina Mariasch, Esteban Feune de Colombi,
 María del Carril, Francisco Garamona, Mario Bellatin, Lucía Puenzo e Inés Acevedo.

No hay niños prodigio, tampoco es preciso que los haya. Hay madres que guardaron celosamente los dibujos de sus hijos, y que quizás los miren una tarde cualquiera. Hay niños que juegan, como todos los niños, y algunos se convierten en grandes artistas.

Cortázar solía citar a Cocteau que decía que todos los niños son poetas “menos Minou Drouet, que era aquel monstruito que había escrito un libro de poemas a los ocho años, un poco prefabricado por la madre, y que toda Francia admiraba. Es verdad que si a los niños los dejasen solos con sus juegos, sin forzarlos, harían maravillas”.

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Charlas en arteBA


Algunas recomendaciones para el fin de semana, según adn Cultura:

  • Sábado 21, de 13 a 14.30 hs: La herencia conceptual en la fotografía argentina, por Valeria González.

A fines de los años 60, las veleidades autorreferenciales de la fotografía conceptual prácticamente no tuvieron lugar en los contextos conflictivos de América latina. Más que al fracaso de la fotografía como documento social, los artistas ensayaron su amplificación y también la metáfora como puente para burlar la censura. Esa herencia se observa en la actualidad en el potencial crítico de la fotografía argentina y latinoamericana.

  • Domingo 22, de 13 a 14.30 hs: Reflexiones sobre el arte de las mujeres en la modernidad. A propósito de Louise Bourgeois por Hugo Petruschansky.

La charla reflexionará sobre las producciones artísticas enroladas en el feminismo de los años 60, el arte femenino posterior, las bad girls y el arte de género. A propósito de la muestra actual de Louise Bourgeois en Fundación Proa, se harán algunas reflexiones sobre su producción estética y simbólica.

  • Domingo 22, de 18 a 20 hs: ¿Puede el arte incidir en la transformación del mundo? por Andrea Giunta (escritora, curadora e investigadora), David Joselit (profesor de Historia del Arte de la Universidad de Yale, Estados Unidos) y Ana Longoni (escritora, profesora de la UBA e investigadora del Conicet).

La pregunta se repone con insistencia en el arte contemporáneo. Las estrategias desde las que se imaginan respuestas se organizan en imágenes, textos, ediciones, investigaciones. La intensidad y riqueza de sus articulaciones desmarcan los límites de las prácticas específicas; buscan tejer alianzas, compartir espacios de acción, diseñar plataformas compartidas. Los panelistas abordan algunas de las estrategias que han servido para activar el poder de intervención de la cultura.

¡El domingo vamos a la Feria!

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RE TIRO en ThisIsNotAGallery

¡Hoy se inaugura Re tiro de Marcos Bertucelli en Cabrera 5849 a las 20 hs!

“Desde principios del 700 la barranca del Retiro fue nudo político, centro de operaciones, casa de citas financieras. Confluencia de gestos y signos de una relación que siempre penduló entre lo legal y lo prohibido, entre lo evidente y lo oculto, entre el amor y el odio.
Coloreado con el signo de sus tiempos, este romance tuvo el recorrido de un espiral. Formato de elipse. Y su materia esencial fue el agua. Agua de océanos y mares, de ríos interiores por los que circulaban planes y botines. Y también silencios.

Re Tiro:
El Retiro de la South Sea Company.
El Retiro de la lucha cuerpo a cuerpo en las Invasiones. Donde el bastión semántico de lo local, la Plaza de Toros, vio flamear la insignia de lo extranjero.
El Retiro que era río. Y que luego fue (y es) Torre y ferrocarriles. El sistema circulatorio con arterias de hierro y vapor, llevando su sangre a todos los rincones del cuerpo. Y la Torre como regalo, adornada de símbolos y emblemas que hacen de guiños cómplices entre los amantes.

Luego el Tiempo, y una tragedia bélica contemporánea en el centro del vórtice político y de intereses.
Y un Re tiro que tira a matar con el arrebato propio de los amantes enajenados, sumergidos en el juego amoroso y marcial. Hundidos.
Y el Retiro del Homenaje a los Caídos, de Plaza San Martín, de Avenida del Libertador.

Encuentros, subtextos, paradojas, contradicciones.
Caleidoscopio de una Historia fabulosa. De fábula”.

Mariano Soto

Llegamos un poco tarde, pero a las 21.30 estamos ahí.

¡Salud!

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“Soy un pintor de cuadros”

Luego de varios años de exposiciones en ámbitos públicos de gran prestigio (Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Palacio del Correo; y la realización del mural de la cúpula del Teatro Reggio), el artista Ariel Mlynarzewicz colgó Amores en la Galería de Arte Agalma. Con una pincelada clara explora el mundo –tal vez indescriptible– de los afectos, los abrazos y la proximidad. Colores puros y contrastantes dominan la muestra en la que intervienen mujeres, parejas, naturaleza y vínculos.

Para disfrutar de estas obras, nos pareció una buena idea seleccionar un fragmento de una entrevista publicada en la revista digital Esto no es una revista. Allí el periodista Javier Martínez pinta la figura del artista de una manera exquisita: “Hablar con Ariel Mlynarzewicz es internarse en un mundo en el cual el color, la perspectiva, la tela y la materia le ganan la pulseada a la tecnología. Un mundo cotidiano que este maestro del pincel convierte en verdaderas obras de arte”.

En Achís creemos que es una excelente entrevista colmada de buenas respuestas. Lo que sigue vale la pena leer:

-Tu tarjeta de presentación dice “Pintor de Cuadros” que, más que un simple modo de nombrarse, es una declaración de principios. ¿Por qué lo elegiste?

Todo empezó en alguna de las maravillosas series de grabados de Goya, no sé si es en los Caprichos o la Tauromaquia, en el que hay un autorretrato que dice “FCO Francisco de Goya y Lucientes, pintor de cuadros” o algo así. Y me pareció una presentación tan honesta, humilde y sincera que la tomé, haciéndole honores al gran maestro y, aparte, porque representa lo que somos, más allá del talento de cada quien. Volviendo al oficio de pintor, nombrarse así es una manera de hacerle honor. Sobre todo en un momento en el que se promueve tanto otro tipo de expresiones artísticas más contemporáneas utilizando herramientas más tecnológicas y demás, reconocerse como un simple pintor de cuadros, para mí que no sé prender una computadora,  es plantear con honestidad lo que hago. Quizás un artista, hoy, es alguien que se dedica a hacer instalaciones, con un gran taller y 20 empleados que le hacen las cosas. Yo soy un simple pintor, casi un artesano que pinta a mano sus cuadros. Incluso, cuando pinté la cúpula del Teatro Regio también opté por pintarla solo, sin asistentes, porque me pareció una experiencia interesante para vivirla solo. Por eso me gusta presentarme de esa manera. No me pidan más nada que no sea pintar cuadros (risas).

-Color, materia y perspectiva. ¿Cómo juegan esos tres conceptos en tu trabajo?

Depende del cuadro. Hay cuadros donde prima el color, donde lo que tiene que ver con la composición en cuanto a perspectiva o planos de profundidad puede dejarse de lado. Hay otros tipos de cuadro donde prima el dibujo, la profundidad, el espacio, como esos abrazos que pinté en blanco y negro donde hay un manejo del espacio, una prioridad en mi manera de concebir el cuadro que tiene que ver con el manejo del espacio. En general, cuando hay materia hay color. Cuando tengo ganas de poner materia es, también, con mucho color. Y hay cuadros en los que están más equilibrados estos tres recursos.

-¿Cuál de esos recursos es el que más te gusta?

El tema de la materia es ancestral, ¿no? Más que trabajo es juego; la actitud lúdica que uno tiene frente a grandes cantidades de materia con olor a trementina, aceites es un recuerdo infantil, de una etapa anal. Y uno empieza a tener algunas sensaciones de ese mundo pre-infantil en el cual era inmensamente feliz. Creo que ahí es donde uno tiene puesto el deseo en algo ancestral. Mientras que cuando uno está dibujando, entre otras cuestiones, hay otro tipo de reflexión. El dibujo diseña, ordena, tiene un carácter más maduro.

Primero, la obra en palabras del autor. Luego, la obra:

Más info:  

Ariel Mlynarzewicz
Del 6 de abril al 6 de mayo de 2011

Galería de Arte Agalma
(Arroyo 882, Buenos Aires)

www.agalmaarte.com

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Asociación: Felicia Webb y André Comte-Sponville

Imaginamos las mujeres del ensayo  Anorexia: Una lenta danza hacia el suicidio de la reportera gráfica inglesa Felicia Webb. Recorremos el sitio web de Felicia y lo primero que encontramos es una confesión de Jacques Henri Lartigue: “Usamos la fotografía para olvidar todo lo demás, sin embargo, es todo lo demás lo que realmente importa. Y a ese algo, la cámara nunca lo puede atrapar”.

Nos acordamos de un libro y lo sacamos de la biblioteca. Hay algo de ese libro y del ensayo de Felicia que se encuentran. En Sobre el cuerpo de André Comte-Sponville leemos en la primera página una sentencia de Spinoza: “El alma y el cuerpo son una sola y misma cosa”.

Nos gustó la asociación.

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Elogios a Nicola

Cajas, 2000. Calco de nonatos de potrillos y terneros en cajas de madera. Madera y resina.

La feria de Colonia, en Alemania, le abrió las puertas a dos artistas contemporáneos argentinos: Nicola Constantino y Guillermo Kuitca. Hoy queremos explorar el mundo de Nicola. Rosarina, escultora, inventora. En 2004, presentó Animal motion Planet, unas máquinas ortopédicas para animales nonatos.

Si semejante presentación había dejado una sensación de rareza fascinante en el espectador, ese mismo año, lanzó Savon de Corps en el MALBA, una colección de productos de belleza entre los que se encontraba un jabón que contenía el tres por ciento de su grasa obtenida de una liposucción. El lema: “Tomá tu baño conmigo”.

Trilogía de bocas, 1997. Calco del natural de pollo, cerdo y boca humana en silicona.

Lo cierto es que la obra de la artista siempre genera controversias y discusiones y eso es, entre otras cosas, uno de los aspectos más interesantes del arte. En 2006, cuando ganó el Premio Petrobras, hubo quienes la acusaron de haberse inspirado demasiado en la fotografía Noire et Blanche de Man Ray.

La artista –que se duplica constantemente- adquiere cada vez más protagonismo en las ferias de arte locales e internacionales. Hoy, es uno de los rostros más buscados en Alemania. El creciente fanatismo por su obra está directamente relacionado con la forma en que desafía el punto de vista de la artista. Tampoco le importa contraponer la vida y la muerte utilizando elementos que, a veces, llegan al límite del paroxismo.

Trilogía de la muerte de Nicola III y IV, 2008. Inkjet print, 100 x 141 cm. Edición de 6.

Todos nuestros elogios son para Nicola.

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El tiempo según Agnès Thurnauer


La revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos acerca un diálogo atento con una de las artistas más elocuentes de la escena francesa actual. La artista Agnès Thurnauer participó en la megaexposición elles@pompidou con una instalación que cuestiona la ausencia de nombres femeninos en la historia del arte occidental.

En Achís les acercamos algunas palabras de Agnès sobre el tiempo y, como fanáticas de Barzón, les recomendamos que consigan el último número que salió en abril.

-¿Y cuál es la dimensión del tiempo en tu obra?

-En el atelier estoy sola con el cuadro. Sola con la pintura, el espacio y el tiempo. El tiempo es fundamental. Por un lado, porque cuando trabajo pierdo la noción del tiempo y se confunde con el espacio de la pintura, y sobre todo, porque cada vez más tengo una mayor distancia con la noción de contemporaneidad. Creo que uno tiene que ser del tiempo de uno  (el tiempo propio) antes que ser de su tiempo (el tiempo de su época). Pienso que es solamente respetando esta propia temporalidad que la obra de un artista no es producida por una época, sino que participa a producir la época en la que él o ella vive. Si no trabajo con la idea de espectador, creo que mi trabajo está abierto al pensamiento y por lo tanto abierto al que lo mira. Cuanto más enigmático es un cuadro más me sobrepasa, y más convencida estoy de que la persona que lo mire va a encontrar algún interés en él, porque será inagotable. Para mí la pintura es eso: ofrecer un enigma continuamente reconducido por la mirada que se posa sobre él, un enigma que, mientras nos lleva a otra parte, nos hace presentes aquí. A nosotros mismos.

-¿Qué es el arte para vos?

Creo que cada vez me siento más atraída hacia la noción de enigma. Una obra es un evento que cede nunca. Este enigma del que decía antes que es continuamente reactivado por la mirada cada vez que se posa sobre él. Para mí el arte es una dimensión, que está al mismo tiempo fuera y dentro del tiempo, exactamente ahora mismo: un enigma que nos abre a nuestra presencia y a nuestra propia intemporalidad.

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Golpes en el CCR

Hoy se inaugura la muestra de fotografía Golpes a las 19 hs en el Centro Cultural Rojas.

Después de ver las imágenes de Diego Levy, nos quedamos sin palabras. Así que, esta vez, preferimos citar las de él:

“Me gusta el Boxeo. Soy de los que lo consideran un deporte de alto rendimiento, y con reglas claras. Durante unos años lo practiqué con un entrenador que me incentivaba con frases como: los golpes no alimentan o téngale bronca al cuerpo… Por alguna razón siempre me quedaron grabadas esas frases, así como también el rostro de mi entrenador, tallado por los golpes.

Golpes es una serie de retratos de estos hombres que han dedicado sus vidas a este noble y sacrificado deporte. El conjunto de retratos suma historias en esas huellas. La quietud y la aparente serenidad en esas grietas nos muestra un pasado tormentoso. Los golpes fueron detenidos en el tiempo. Además de la inevitable reflexión, el objetivo es rendir un homenaje a estos notables y valerosos luchadores que casi siempre dejaron todo y con demasiada frecuencia se quedaron sin nada”.

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¿Quién dijo que el otoño es triste?

Ayer se presentó en GP Espacio de Arte Colores de Otoño una muestra muy particular en la que el artista Rodrigo Suárez se encarga de desmitificar aquella idea que postula que el otoño es triste. La exhibición está compuesta por 16 obras inéditas realizadas en acrílico y técnica mixta.

Tomando como punto de partida el otoño, Suárez presenta espacios, escenas y situaciones superpuestas con hojas otoñales que caen en su obra. Todo recreado con su particular uso de una paleta vigorosa que se encarga de imprimir un carácter positivo y enérgico en cada cuadro.  El color –colocado sin vacilación– resulta muy estimulante para el observador.

¡Excelente muestra!

GP Espacio de Arte

Cabrera 4934

Lun a Vie de 11 a 20 hs. Sáb de 14 a 20 hs.

Entrada libre y gratuita

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