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“Entre todas te estamos buscando”

17.50 malba.

Buscábamos libros para un proyecto nuevo y encontramos “Retratos” de Pablo Bernasconi.

aparecer. 2. ponerse una cosa que estaba oculta de modo que puede ser vista. 4. estar una cosa de modo que se ve en cierta forma.

(Diccionario de María Moliner)

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Niños que juegan

“Yo fui un niño muy precoz y entonces todo lo que había de barato en la inteligencia de lo que los niños llaman los grandes –o sea, de mi familia en esa época- yo lo percibía casi con crueldad.  Yo oía hablar a mi familia y sabía por adelantado lo que iban a decir. Porque un lugar común traía el otro. Era un sistema de pensamientos ya ordenados en el plano de la política, en el plano de la comida, en el plano de la salud, de si había que bañarse con agua fría o tibia, que si el bicarbonato es bueno o malo.

Y yo me divertía silenciosamente adelantándome a todo lo que la gente iba a decir. Yo sabía que después que mi madre dijera una frase determinada, mi abuela iba a decir otra que, en la mayoría de los casos, era la que yo había previsto. Empalmaban un lugar común con el otro, un juicio con el otro (…) Frente a ciertos lugares comunes yo tenía la impresión de que probablemente la verdad estaba en lo contrario. Naturalmente, el niño no dice esas cosas porque se expone a que le peguen un bife en esos hogares argentinos donde el niño es el niño y el grande es el grande y tiene razón porque es grande, no porque sepa más”.

(Julio Cortázar, Omar Prego Gadea: La fascinación de las palabras)

La última edición de la Revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos sorprendió con “Los artistas cachorros”. En el artículo,  la curadora Domitila Bedel cuenta cómo surgió Cachorros, obras de infancia, una muestra que se presenta en la Galería miaumiau hasta el 6 de mayo (Bulnes 2705 – Lunes a Viernes de 15 a 20 hs) y recopila una selección de dibujos de la niñez de los artistas Nahuel Vecino, Liliana Porter, Amaya Bouquet, Alfredo Prior, Ignacio Valdez, Clorindo Testa, Jill Mulleady, Alina Perkins, Juan Becú, Nicolás Bedel, Manuel Mendanha, Fernanda Laguna, Diego Gravinese y Pablo Siquier.

Las palabras de Domitila nos acercan a las de Cortázar: “Cuando estábamos armando el libro, cada vez que le preguntábamos a los artistas por su infancia recordaban algún dibujo o ese espacio temporal donde dibujaban. Noté que siempre, de alguna manera, era un lugar al que, queriendo o no, se intentaba regresar”. La muestra precisó de una labor casi antropológica de Domitila, que tuvo que contactar a las madres, tías y abuelas de los artistas, vaciar carpetas, desempolvar bauleras y revolver sótanos.

El armado del catálogo de la muestra también presentó desafíos. Domitila cuenta (¡perdón a los críticos!) que no podía haber un texto teórico y aburrido para presentar la muestra y decidió convocar a distintos narradores para que interpretaran los dibujos de los artistas y escribieran un cuento: “Cada cuento es una forma diferente de definir lo infantil y cada cuento es también una forma distinta de viajar hacia allá. La muestra tiene algo muy cercano a un viaje a la verdad, pero no desde el lado melancólico sino desde la posibilidad y el reencuentro”.

Las narraciones son tan diversas como los autores: algunos prefieren contar un cuento para niños, otros imaginan al pequeño artista culminando su obra y hay quienes observan que el dibujo no es infantil y sospechan que el niño es más adulto que infante. Sylvia Moloy, por ejemplo, la piensa a Liliana Porter en pijama leyendo a la noche debajo de un árbol. La escritora imagina a la pequeña Porter dentro de una historia atravesada por castigos, vecinos extraños y niñas duplicadas. También escriben sus impresiones Daniel Link, Cecilia Pavon, Damián Ríos, Ariel Schettini,
Guillermo Piro, Domitila Bedel, Marina Mariasch, Esteban Feune de Colombi,
 María del Carril, Francisco Garamona, Mario Bellatin, Lucía Puenzo e Inés Acevedo.

No hay niños prodigio, tampoco es preciso que los haya. Hay madres que guardaron celosamente los dibujos de sus hijos, y que quizás los miren una tarde cualquiera. Hay niños que juegan, como todos los niños, y algunos se convierten en grandes artistas.

Cortázar solía citar a Cocteau que decía que todos los niños son poetas “menos Minou Drouet, que era aquel monstruito que había escrito un libro de poemas a los ocho años, un poco prefabricado por la madre, y que toda Francia admiraba. Es verdad que si a los niños los dejasen solos con sus juegos, sin forzarlos, harían maravillas”.

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ACHÍS en Puro Diseño

Hoy es el último día para visitar la Feria PuroDiseño. En los pasillos del pabellón amarillo de la Rural comentaban algunos expositores que la vida y el diseño están llenos de colores. Por eso, esta edición se inspiró en el concepto de colores, absolutamente presente en los stands y en todos los productos.

Achís recorrió la feria. Nos detuvimos en cada uno de los stands de diseño de indumentaria, accesorios de moda, artesanía contemporánea, objetos de diseño sustentable, arte, iluminación y gastronomía boutique. Un gran abanico de tendencias.

Como en las ediciones anteriores, los protagonistas son la combinación de texturas, el uso de materiales ecológicos, las técnicas de reciclados y la originalidad.

Este año, la ecología tuvo su lugar en espacio verde: bolsas de tela reutilizable, pañales acuáticos y sillas encastrables para chicos. Además, se puede recorrer el Museo Sustentable -un espacio que demuestra que no es sólo una moda sino que está instalado en el mercado y en la conciencia de los consumidores – y participar del taller Joyeros en acción, con cintas, pegamentos y pan todos podemos diseñar nuestra propia joya. Por supuesto, guiados por expertos.

Este año conocimos en la Feria Baja Rubén. Un “portero” blandito y redondo que lleva en su boca las llaves que la gente tira por la ventana cuando vienen visitas y ya nadie quiere bajar a abrir. Su creadora Juliana Raffa contó que vive en un tercer piso y se cansaron de meter las llaves en repasadores o medias. Por eso nació Rubén. Cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia.

Flor`s Bakery

Otro espacio imperdible es Puro Sabor, una nueva categoría en la que se exhiben por primera vez alimentos originales. El diseño y los colores también se ven en la comida y en su packaging. Caminando por la Feria nos dimos cuenta de que los cupcakes y las cookies son furor.

Con la participación de distintas disciplinas como la fotografía, la pintura, la gráfica, la escultura, la instalación y – por primera vez- el video el Paseo de las Artes es una cita obligada en Puro Diseño. Los artistas son Susana Di Pietro, Rodrigo Suárez, Vanina Braun, Andrés Comastri, Brenda González, Gabriela Jofré, Milagro Peralta Ramos, Filiberto Mugnani, Sol Carta, Martina Estrada, Silvia Cordero Vega, Mariana Guerrero y Alejandro Rozitchner. Además, el espacio está curado y desarrollado por Mariana Guerrero y Feria Puro Diseño.

Hoy es el último día para recorrer Puro Diseño.Tenés tiempo hasta las 10 de la noche para recorrer 12.000 m2  y disfrutar de las innovadoras propuestas de 350 expositores. Un popurrí para todos los gustos (y bolsillos).

¡Salud!

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Charlas en arteBA


Algunas recomendaciones para el fin de semana, según adn Cultura:

  • Sábado 21, de 13 a 14.30 hs: La herencia conceptual en la fotografía argentina, por Valeria González.

A fines de los años 60, las veleidades autorreferenciales de la fotografía conceptual prácticamente no tuvieron lugar en los contextos conflictivos de América latina. Más que al fracaso de la fotografía como documento social, los artistas ensayaron su amplificación y también la metáfora como puente para burlar la censura. Esa herencia se observa en la actualidad en el potencial crítico de la fotografía argentina y latinoamericana.

  • Domingo 22, de 13 a 14.30 hs: Reflexiones sobre el arte de las mujeres en la modernidad. A propósito de Louise Bourgeois por Hugo Petruschansky.

La charla reflexionará sobre las producciones artísticas enroladas en el feminismo de los años 60, el arte femenino posterior, las bad girls y el arte de género. A propósito de la muestra actual de Louise Bourgeois en Fundación Proa, se harán algunas reflexiones sobre su producción estética y simbólica.

  • Domingo 22, de 18 a 20 hs: ¿Puede el arte incidir en la transformación del mundo? por Andrea Giunta (escritora, curadora e investigadora), David Joselit (profesor de Historia del Arte de la Universidad de Yale, Estados Unidos) y Ana Longoni (escritora, profesora de la UBA e investigadora del Conicet).

La pregunta se repone con insistencia en el arte contemporáneo. Las estrategias desde las que se imaginan respuestas se organizan en imágenes, textos, ediciones, investigaciones. La intensidad y riqueza de sus articulaciones desmarcan los límites de las prácticas específicas; buscan tejer alianzas, compartir espacios de acción, diseñar plataformas compartidas. Los panelistas abordan algunas de las estrategias que han servido para activar el poder de intervención de la cultura.

¡El domingo vamos a la Feria!

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RE TIRO en ThisIsNotAGallery

¡Hoy se inaugura Re tiro de Marcos Bertucelli en Cabrera 5849 a las 20 hs!

“Desde principios del 700 la barranca del Retiro fue nudo político, centro de operaciones, casa de citas financieras. Confluencia de gestos y signos de una relación que siempre penduló entre lo legal y lo prohibido, entre lo evidente y lo oculto, entre el amor y el odio.
Coloreado con el signo de sus tiempos, este romance tuvo el recorrido de un espiral. Formato de elipse. Y su materia esencial fue el agua. Agua de océanos y mares, de ríos interiores por los que circulaban planes y botines. Y también silencios.

Re Tiro:
El Retiro de la South Sea Company.
El Retiro de la lucha cuerpo a cuerpo en las Invasiones. Donde el bastión semántico de lo local, la Plaza de Toros, vio flamear la insignia de lo extranjero.
El Retiro que era río. Y que luego fue (y es) Torre y ferrocarriles. El sistema circulatorio con arterias de hierro y vapor, llevando su sangre a todos los rincones del cuerpo. Y la Torre como regalo, adornada de símbolos y emblemas que hacen de guiños cómplices entre los amantes.

Luego el Tiempo, y una tragedia bélica contemporánea en el centro del vórtice político y de intereses.
Y un Re tiro que tira a matar con el arrebato propio de los amantes enajenados, sumergidos en el juego amoroso y marcial. Hundidos.
Y el Retiro del Homenaje a los Caídos, de Plaza San Martín, de Avenida del Libertador.

Encuentros, subtextos, paradojas, contradicciones.
Caleidoscopio de una Historia fabulosa. De fábula”.

Mariano Soto

Llegamos un poco tarde, pero a las 21.30 estamos ahí.

¡Salud!

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“Lo abrí al azar. Los caracteres me eran extraños…”

Arte, tecnología y literatura se unen en la tercera edición de Fase 3. El encuentro  – que se realizará del 5 al 8 de mayo en el Centro Cultural Recoleta – reúne instituciones públicas y privadas que trabajan, investigan y desarrollan experimentación fotográfica y audiovisual, nuevas tecnologías, arte digital y animación.

Una excelente oportunidad para ver  la obra Libro de Arena de Mariano Sardón. La instalación interactiva relaciona el movimiento de las manos en la arena con hipertextos extraídos de la web en los que hay textos de Jorge Luís Borges. La obra consta de 2 cubos de vidrio de 85 cm. de lado llenos de arena que al tocarla con las manos surgen códigos html extraídos de la web, que copian el movimiento de las manos. Luego, el texto se mueve como un fluido y desaparece posteriormente.

Mariano Sardón, máster en Tecnología y Estética de Artes Electrónicas, cuenta en su sitio web  que “la decisión de desarrollar una obra interactiva que funcionara en el cruce entre el arte y la tecnología implicaba un desafío y una toma de posición. Elegí concentrarme en explotar las posibilidades que de los recursos existentes”.

Además, el escritor Guillermo Martinez  dijo – en referencia a la instalación – que “la web  es una red dinámica e inmensa que conecta personas en diferentes puntos del planeta. Una red pensada como un texto diseminado en el tiempo, el espacio, el más grande nunca escrito, el más complejo e impredecible”. El escritor también explicó que la construcción del espacio a través de la luz, los colores y las texturas fue fundamental para definir la propuesta. La sala en penumbras creaba una atmósfera de irrealidad, algo apartado del mundo”.

Es importante mencionar que la obra se constituye en un sistema de interfaces relacionadas de distintas maneras, en el que se articulan tecnologías digitales, analógicas y también materiales que entran en contacto sensible con los participantes. Además, el espectador forma parte de la instalación. Cada experiencia es particular y absolutamente participativa.

El libro de arena es un libro infinito, sin principio ni fin. Por eso nos pareció una buena idea recordar un fragmento de esta excelente obra de Jorge Luís Borges:

 “Lo abrí al azar. Los caracteres me eran extraños. Las páginas, que me parecieron gastadas y de pobre tipografía, estaban impresas a dos columnas a la manera de una Biblia. El texto era apretado y estaba ordenado en versículos. En el ángulo superior de las páginas había cifras arábigas. Me llamó la atención que la página par llevaba el número (digamos) 40.512 y la impar, la siguiente, 999.”

“La volví; el dorso estaba numerado con ocho cifras. Llevaba una pequeña ilustración, como es de uso en los diccionarios: un ancla dibujada a la pluma, como por la torpe mano de un niño.”
“Fue entonces que el desconocido me dijo:
-Mírela bien. Ya no la verá nunca más.”
“Me fijé en el lugar y cerré el volumen. Inmediatamente lo abrí. En vano busqué la figura del ancla, hoja tras hoja. Para ocultar mi desconcierto, le dije: -Se trata de una versión de la Escritura en alguna lengua indostánica, ¿no es verdad?”.
“Todo fue inútil: siempre se interponían varias hojas entre la portada y la mano. Era como si brotaran del libro.
-Ahora busque el final.”
“También fracasé; apenas logré balbucear con una voz que no era la mía:-Esto no puede ser.
Siempre en voz baja el vendedor de biblias me dijo:
-No puede ser, pero es. El número de páginas de este libro es exactamente infinito. Ninguna es la primera; ninguna, la última. No sé por qué están numeradas de ese modo arbitrario. Acaso para dar a entender que los términos de una serie infinita admiten cualquier número.”

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“Soy un pintor de cuadros”

Luego de varios años de exposiciones en ámbitos públicos de gran prestigio (Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Palacio del Correo; y la realización del mural de la cúpula del Teatro Reggio), el artista Ariel Mlynarzewicz colgó Amores en la Galería de Arte Agalma. Con una pincelada clara explora el mundo –tal vez indescriptible– de los afectos, los abrazos y la proximidad. Colores puros y contrastantes dominan la muestra en la que intervienen mujeres, parejas, naturaleza y vínculos.

Para disfrutar de estas obras, nos pareció una buena idea seleccionar un fragmento de una entrevista publicada en la revista digital Esto no es una revista. Allí el periodista Javier Martínez pinta la figura del artista de una manera exquisita: “Hablar con Ariel Mlynarzewicz es internarse en un mundo en el cual el color, la perspectiva, la tela y la materia le ganan la pulseada a la tecnología. Un mundo cotidiano que este maestro del pincel convierte en verdaderas obras de arte”.

En Achís creemos que es una excelente entrevista colmada de buenas respuestas. Lo que sigue vale la pena leer:

-Tu tarjeta de presentación dice “Pintor de Cuadros” que, más que un simple modo de nombrarse, es una declaración de principios. ¿Por qué lo elegiste?

Todo empezó en alguna de las maravillosas series de grabados de Goya, no sé si es en los Caprichos o la Tauromaquia, en el que hay un autorretrato que dice “FCO Francisco de Goya y Lucientes, pintor de cuadros” o algo así. Y me pareció una presentación tan honesta, humilde y sincera que la tomé, haciéndole honores al gran maestro y, aparte, porque representa lo que somos, más allá del talento de cada quien. Volviendo al oficio de pintor, nombrarse así es una manera de hacerle honor. Sobre todo en un momento en el que se promueve tanto otro tipo de expresiones artísticas más contemporáneas utilizando herramientas más tecnológicas y demás, reconocerse como un simple pintor de cuadros, para mí que no sé prender una computadora,  es plantear con honestidad lo que hago. Quizás un artista, hoy, es alguien que se dedica a hacer instalaciones, con un gran taller y 20 empleados que le hacen las cosas. Yo soy un simple pintor, casi un artesano que pinta a mano sus cuadros. Incluso, cuando pinté la cúpula del Teatro Regio también opté por pintarla solo, sin asistentes, porque me pareció una experiencia interesante para vivirla solo. Por eso me gusta presentarme de esa manera. No me pidan más nada que no sea pintar cuadros (risas).

-Color, materia y perspectiva. ¿Cómo juegan esos tres conceptos en tu trabajo?

Depende del cuadro. Hay cuadros donde prima el color, donde lo que tiene que ver con la composición en cuanto a perspectiva o planos de profundidad puede dejarse de lado. Hay otros tipos de cuadro donde prima el dibujo, la profundidad, el espacio, como esos abrazos que pinté en blanco y negro donde hay un manejo del espacio, una prioridad en mi manera de concebir el cuadro que tiene que ver con el manejo del espacio. En general, cuando hay materia hay color. Cuando tengo ganas de poner materia es, también, con mucho color. Y hay cuadros en los que están más equilibrados estos tres recursos.

-¿Cuál de esos recursos es el que más te gusta?

El tema de la materia es ancestral, ¿no? Más que trabajo es juego; la actitud lúdica que uno tiene frente a grandes cantidades de materia con olor a trementina, aceites es un recuerdo infantil, de una etapa anal. Y uno empieza a tener algunas sensaciones de ese mundo pre-infantil en el cual era inmensamente feliz. Creo que ahí es donde uno tiene puesto el deseo en algo ancestral. Mientras que cuando uno está dibujando, entre otras cuestiones, hay otro tipo de reflexión. El dibujo diseña, ordena, tiene un carácter más maduro.

Primero, la obra en palabras del autor. Luego, la obra:

Más info:  

Ariel Mlynarzewicz
Del 6 de abril al 6 de mayo de 2011

Galería de Arte Agalma
(Arroyo 882, Buenos Aires)

www.agalmaarte.com

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Elogios a Nicola

Cajas, 2000. Calco de nonatos de potrillos y terneros en cajas de madera. Madera y resina.

La feria de Colonia, en Alemania, le abrió las puertas a dos artistas contemporáneos argentinos: Nicola Constantino y Guillermo Kuitca. Hoy queremos explorar el mundo de Nicola. Rosarina, escultora, inventora. En 2004, presentó Animal motion Planet, unas máquinas ortopédicas para animales nonatos.

Si semejante presentación había dejado una sensación de rareza fascinante en el espectador, ese mismo año, lanzó Savon de Corps en el MALBA, una colección de productos de belleza entre los que se encontraba un jabón que contenía el tres por ciento de su grasa obtenida de una liposucción. El lema: “Tomá tu baño conmigo”.

Trilogía de bocas, 1997. Calco del natural de pollo, cerdo y boca humana en silicona.

Lo cierto es que la obra de la artista siempre genera controversias y discusiones y eso es, entre otras cosas, uno de los aspectos más interesantes del arte. En 2006, cuando ganó el Premio Petrobras, hubo quienes la acusaron de haberse inspirado demasiado en la fotografía Noire et Blanche de Man Ray.

La artista –que se duplica constantemente- adquiere cada vez más protagonismo en las ferias de arte locales e internacionales. Hoy, es uno de los rostros más buscados en Alemania. El creciente fanatismo por su obra está directamente relacionado con la forma en que desafía el punto de vista de la artista. Tampoco le importa contraponer la vida y la muerte utilizando elementos que, a veces, llegan al límite del paroxismo.

Trilogía de la muerte de Nicola III y IV, 2008. Inkjet print, 100 x 141 cm. Edición de 6.

Todos nuestros elogios son para Nicola.

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El tiempo según Agnès Thurnauer


La revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos acerca un diálogo atento con una de las artistas más elocuentes de la escena francesa actual. La artista Agnès Thurnauer participó en la megaexposición elles@pompidou con una instalación que cuestiona la ausencia de nombres femeninos en la historia del arte occidental.

En Achís les acercamos algunas palabras de Agnès sobre el tiempo y, como fanáticas de Barzón, les recomendamos que consigan el último número que salió en abril.

-¿Y cuál es la dimensión del tiempo en tu obra?

-En el atelier estoy sola con el cuadro. Sola con la pintura, el espacio y el tiempo. El tiempo es fundamental. Por un lado, porque cuando trabajo pierdo la noción del tiempo y se confunde con el espacio de la pintura, y sobre todo, porque cada vez más tengo una mayor distancia con la noción de contemporaneidad. Creo que uno tiene que ser del tiempo de uno  (el tiempo propio) antes que ser de su tiempo (el tiempo de su época). Pienso que es solamente respetando esta propia temporalidad que la obra de un artista no es producida por una época, sino que participa a producir la época en la que él o ella vive. Si no trabajo con la idea de espectador, creo que mi trabajo está abierto al pensamiento y por lo tanto abierto al que lo mira. Cuanto más enigmático es un cuadro más me sobrepasa, y más convencida estoy de que la persona que lo mire va a encontrar algún interés en él, porque será inagotable. Para mí la pintura es eso: ofrecer un enigma continuamente reconducido por la mirada que se posa sobre él, un enigma que, mientras nos lleva a otra parte, nos hace presentes aquí. A nosotros mismos.

-¿Qué es el arte para vos?

Creo que cada vez me siento más atraída hacia la noción de enigma. Una obra es un evento que cede nunca. Este enigma del que decía antes que es continuamente reactivado por la mirada cada vez que se posa sobre él. Para mí el arte es una dimensión, que está al mismo tiempo fuera y dentro del tiempo, exactamente ahora mismo: un enigma que nos abre a nuestra presencia y a nuestra propia intemporalidad.

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Arte en el dolor

Microcalcificaciones Agrupadas - Irene Marcet

Una estadística difícil: el cáncer de mama es la primera causa de muerte en la mujer. Sin embargo, la buena noticia es que diagnosticado a tiempo el 98% se cura. Por eso, la Fundación Diagnóstico Maipú trabaja desde hace mucho tiempo en la concientización de cáncer de mama en forma permanente. Firme en su compromiso organizó el concurso Arte y Cáncer de mama.

¿La propuesta? Expresar a través de la fotografía, el dibujo y la pintura la sensibilidad de los participantes en relación con  la enfermedad.

¿El resultado? Más de 150 artistas respondieron a la convocatoria y presentaron 242 trabajos al concurso.

Las 34 obras – las ganadoras y otras seleccionadas –  llegan nuevamente al público en el prestigioso Espacio de Arte Imán de la Boca.

Una muestra conmovedora que vale la pena visitar. Mientras tanto te mostramos algunas de las obas ganadoras:

Descripción de Irene Marcet: La obra, la realicé mientras recibía quimio por un cáncer de mama.  Microcalcificaciones agrupadas fue lo que encontraron en la mamografía magnificada que me realizaron en Diagnostico Maipú. Sin perder el ánimo y el buen humor, fundamental en ese momento, imaginé mis microcalcificaciones de una forma colorida y divertida.

Ave Fénix - Alejandra Ingianna

Descripción de Alejandra Ingianna: En “Ave Fénix” represento los sentimientos de una mujer desde el momento del diagnóstico de la enfermedad hasta la remisión de la misma, pasando por el arduo tratamiento. Cómo su mundo comienza a girar y centrarse en su pecho: su feminidad amenazada, la angustia de su futuro, la invasión y exposición de su intimidad, su implacable lucha. Idas y vueltas en remolinos sin fin.
Tiempo largo y áspero de combate hasta la percepción de una tímida luz de esperanza. Esperanza que va devolviendo a ese ser confianza en su diario vivir.

Más información:

Espacio de Arte Imán de la Boca.
9 de abril al 15 de mayo
Benito Pérez Galdós 384 Ciudad Autónoma de Buenos Aires

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