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Nuevo blog! “Jorge Labanca: Novedades del mundo del derecho”

Les presentamos el nuevo sitio del abogado Jorge Labanca. Pasen y vean: www.jorge-labanca.com.ar

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Niños que juegan

“Yo fui un niño muy precoz y entonces todo lo que había de barato en la inteligencia de lo que los niños llaman los grandes –o sea, de mi familia en esa época- yo lo percibía casi con crueldad.  Yo oía hablar a mi familia y sabía por adelantado lo que iban a decir. Porque un lugar común traía el otro. Era un sistema de pensamientos ya ordenados en el plano de la política, en el plano de la comida, en el plano de la salud, de si había que bañarse con agua fría o tibia, que si el bicarbonato es bueno o malo.

Y yo me divertía silenciosamente adelantándome a todo lo que la gente iba a decir. Yo sabía que después que mi madre dijera una frase determinada, mi abuela iba a decir otra que, en la mayoría de los casos, era la que yo había previsto. Empalmaban un lugar común con el otro, un juicio con el otro (…) Frente a ciertos lugares comunes yo tenía la impresión de que probablemente la verdad estaba en lo contrario. Naturalmente, el niño no dice esas cosas porque se expone a que le peguen un bife en esos hogares argentinos donde el niño es el niño y el grande es el grande y tiene razón porque es grande, no porque sepa más”.

(Julio Cortázar, Omar Prego Gadea: La fascinación de las palabras)

La última edición de la Revista Barzón, explorando el mundo contemporáneo, nos sorprendió con “Los artistas cachorros”. En el artículo,  la curadora Domitila Bedel cuenta cómo surgió Cachorros, obras de infancia, una muestra que se presenta en la Galería miaumiau hasta el 6 de mayo (Bulnes 2705 – Lunes a Viernes de 15 a 20 hs) y recopila una selección de dibujos de la niñez de los artistas Nahuel Vecino, Liliana Porter, Amaya Bouquet, Alfredo Prior, Ignacio Valdez, Clorindo Testa, Jill Mulleady, Alina Perkins, Juan Becú, Nicolás Bedel, Manuel Mendanha, Fernanda Laguna, Diego Gravinese y Pablo Siquier.

Las palabras de Domitila nos acercan a las de Cortázar: “Cuando estábamos armando el libro, cada vez que le preguntábamos a los artistas por su infancia recordaban algún dibujo o ese espacio temporal donde dibujaban. Noté que siempre, de alguna manera, era un lugar al que, queriendo o no, se intentaba regresar”. La muestra precisó de una labor casi antropológica de Domitila, que tuvo que contactar a las madres, tías y abuelas de los artistas, vaciar carpetas, desempolvar bauleras y revolver sótanos.

El armado del catálogo de la muestra también presentó desafíos. Domitila cuenta (¡perdón a los críticos!) que no podía haber un texto teórico y aburrido para presentar la muestra y decidió convocar a distintos narradores para que interpretaran los dibujos de los artistas y escribieran un cuento: “Cada cuento es una forma diferente de definir lo infantil y cada cuento es también una forma distinta de viajar hacia allá. La muestra tiene algo muy cercano a un viaje a la verdad, pero no desde el lado melancólico sino desde la posibilidad y el reencuentro”.

Las narraciones son tan diversas como los autores: algunos prefieren contar un cuento para niños, otros imaginan al pequeño artista culminando su obra y hay quienes observan que el dibujo no es infantil y sospechan que el niño es más adulto que infante. Sylvia Moloy, por ejemplo, la piensa a Liliana Porter en pijama leyendo a la noche debajo de un árbol. La escritora imagina a la pequeña Porter dentro de una historia atravesada por castigos, vecinos extraños y niñas duplicadas. También escriben sus impresiones Daniel Link, Cecilia Pavon, Damián Ríos, Ariel Schettini,
Guillermo Piro, Domitila Bedel, Marina Mariasch, Esteban Feune de Colombi,
 María del Carril, Francisco Garamona, Mario Bellatin, Lucía Puenzo e Inés Acevedo.

No hay niños prodigio, tampoco es preciso que los haya. Hay madres que guardaron celosamente los dibujos de sus hijos, y que quizás los miren una tarde cualquiera. Hay niños que juegan, como todos los niños, y algunos se convierten en grandes artistas.

Cortázar solía citar a Cocteau que decía que todos los niños son poetas “menos Minou Drouet, que era aquel monstruito que había escrito un libro de poemas a los ocho años, un poco prefabricado por la madre, y que toda Francia admiraba. Es verdad que si a los niños los dejasen solos con sus juegos, sin forzarlos, harían maravillas”.

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ACHÍS en Puro Diseño

Hoy es el último día para visitar la Feria PuroDiseño. En los pasillos del pabellón amarillo de la Rural comentaban algunos expositores que la vida y el diseño están llenos de colores. Por eso, esta edición se inspiró en el concepto de colores, absolutamente presente en los stands y en todos los productos.

Achís recorrió la feria. Nos detuvimos en cada uno de los stands de diseño de indumentaria, accesorios de moda, artesanía contemporánea, objetos de diseño sustentable, arte, iluminación y gastronomía boutique. Un gran abanico de tendencias.

Como en las ediciones anteriores, los protagonistas son la combinación de texturas, el uso de materiales ecológicos, las técnicas de reciclados y la originalidad.

Este año, la ecología tuvo su lugar en espacio verde: bolsas de tela reutilizable, pañales acuáticos y sillas encastrables para chicos. Además, se puede recorrer el Museo Sustentable -un espacio que demuestra que no es sólo una moda sino que está instalado en el mercado y en la conciencia de los consumidores – y participar del taller Joyeros en acción, con cintas, pegamentos y pan todos podemos diseñar nuestra propia joya. Por supuesto, guiados por expertos.

Este año conocimos en la Feria Baja Rubén. Un “portero” blandito y redondo que lleva en su boca las llaves que la gente tira por la ventana cuando vienen visitas y ya nadie quiere bajar a abrir. Su creadora Juliana Raffa contó que vive en un tercer piso y se cansaron de meter las llaves en repasadores o medias. Por eso nació Rubén. Cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia.

Flor`s Bakery

Otro espacio imperdible es Puro Sabor, una nueva categoría en la que se exhiben por primera vez alimentos originales. El diseño y los colores también se ven en la comida y en su packaging. Caminando por la Feria nos dimos cuenta de que los cupcakes y las cookies son furor.

Con la participación de distintas disciplinas como la fotografía, la pintura, la gráfica, la escultura, la instalación y – por primera vez- el video el Paseo de las Artes es una cita obligada en Puro Diseño. Los artistas son Susana Di Pietro, Rodrigo Suárez, Vanina Braun, Andrés Comastri, Brenda González, Gabriela Jofré, Milagro Peralta Ramos, Filiberto Mugnani, Sol Carta, Martina Estrada, Silvia Cordero Vega, Mariana Guerrero y Alejandro Rozitchner. Además, el espacio está curado y desarrollado por Mariana Guerrero y Feria Puro Diseño.

Hoy es el último día para recorrer Puro Diseño.Tenés tiempo hasta las 10 de la noche para recorrer 12.000 m2  y disfrutar de las innovadoras propuestas de 350 expositores. Un popurrí para todos los gustos (y bolsillos).

¡Salud!

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Charlas en arteBA


Algunas recomendaciones para el fin de semana, según adn Cultura:

  • Sábado 21, de 13 a 14.30 hs: La herencia conceptual en la fotografía argentina, por Valeria González.

A fines de los años 60, las veleidades autorreferenciales de la fotografía conceptual prácticamente no tuvieron lugar en los contextos conflictivos de América latina. Más que al fracaso de la fotografía como documento social, los artistas ensayaron su amplificación y también la metáfora como puente para burlar la censura. Esa herencia se observa en la actualidad en el potencial crítico de la fotografía argentina y latinoamericana.

  • Domingo 22, de 13 a 14.30 hs: Reflexiones sobre el arte de las mujeres en la modernidad. A propósito de Louise Bourgeois por Hugo Petruschansky.

La charla reflexionará sobre las producciones artísticas enroladas en el feminismo de los años 60, el arte femenino posterior, las bad girls y el arte de género. A propósito de la muestra actual de Louise Bourgeois en Fundación Proa, se harán algunas reflexiones sobre su producción estética y simbólica.

  • Domingo 22, de 18 a 20 hs: ¿Puede el arte incidir en la transformación del mundo? por Andrea Giunta (escritora, curadora e investigadora), David Joselit (profesor de Historia del Arte de la Universidad de Yale, Estados Unidos) y Ana Longoni (escritora, profesora de la UBA e investigadora del Conicet).

La pregunta se repone con insistencia en el arte contemporáneo. Las estrategias desde las que se imaginan respuestas se organizan en imágenes, textos, ediciones, investigaciones. La intensidad y riqueza de sus articulaciones desmarcan los límites de las prácticas específicas; buscan tejer alianzas, compartir espacios de acción, diseñar plataformas compartidas. Los panelistas abordan algunas de las estrategias que han servido para activar el poder de intervención de la cultura.

¡El domingo vamos a la Feria!

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“Me llamo Ernesto…”

Ernesto Sábato por Antonio Berni

“Hace algunos años, una revista porteña publicó una sugestiva foto de Ernesto Sábato. Pequeño y solitario, encogido en un banco, aguardaba el tren. La imagen me dio que pensar; suscitaba cierta compasión. Porque Sábato, en definitiva, siempre ha sido eso: un Gran Niño Solo esperando un tren que nunca llega”. Así describe  Carlos Catania al escritor en Genio y figura de Ernesto Sábato.

El pueblo de su nacimiento se llama Rojas. Sus padres  llegaron a la Argentina a fines del siglo pasado y establecieron en aquel pueblo un molino harinero. Fueron once hermanos. Ernesto fue el décimo hijo varón de Juana Ferrari y vino al mundo pocos días después de que falleciera el número nueve. Le pusieron el nombre del muerto. En palabras de Sábato: “Me llamo Ernesto, porque cuando nací el 24 de junio de 1911, día del nacimiento de San Juan Bautista, acababa de morir el otro Ernesto, al que, aun en su vejez, mi madre siguió llamando Ernestito, porque murió siendo una criatura”.

Ernesto Sábato por Sara Facio

Catania reflexiona: “La infancia de Ernesto fue cerrada, gris, sin los alicientes de la felicidad salvaje. Sábato no sabía jugar (…). Para él mismo y para los demás fue un niño–problema. La madurez de su nivel intelectual se revela tan vasta y honda que, por contraste, resalta cierta inmadurez vital. Quitándole la libertad del juego, lo mutilaron de entrada”.

Y siguió la vida. Carlos Catania define a Sábato como un tipo melancólico. Y – además – nos aporta un detalle curioso: en Sobre Héroes y Tumbas, la palabra melancolía aparece mencionada 23 veces. Sin dudas, la nostalgia de Ernesto se convertiría en enfermedad metafísica. Mientras cursaba el doctorado de Física, militaba en el movimiento juvenil comunista. Fue entonces cuando conoció a Matilde, su compañera por más de 60 años. Ella tenía 17 años y quedó deslumbrada cuando él le dictó un curso sobre Marxismo. Desde entonces establecieron vínculos profundos. Luego, tuvieron dos hijos: Mario y Jorge Federico.

La palabra que mejor retrata a Sábato es sin dudas la de Matilde: “Para que se sienta con fuerzas para crear, para escribir, para liberarse de sus obsesiones y traumas necesita verse rodeado de un muro de cariño y comprensión y de ternura, y también de reconocimiento por lo ya realizado. Entonces pareciera que su fuerza y su genio se multiplicasen. Su profundo cambio interior fue cuando dejó la física. Él ha sido desde niño un alma meditativa, un artista. Con un interior melancólico pero al mismo tiempo rebelde y tumultuoso. La ciencia lo limitaba en forma atroz, de modo que fue lógico haber buscado el único cauce que podía ayudarlo a expresar, a vomitar su tormentoso interior: la novela”.

Sábato también lo dejó claro en Hombres y engranajes (1951): “Pero cuando levantaba la cabeza de los logaritmos y los sinusoides, encontraba el rostro de los hombres”. Ernesto Sábato cuenta en Antes del fin cómo fue publicar su primera novela El Túnel: “Dada mi formación científica, a nadie le parecía posible que yo pudiera dedicarme seriamente a la literatura. Un renombrado escritor llegó a comentar: ¡Que va a hacer una novela un físico!”.

Un préstamo de su generoso amigo Alfredo Weiss, permitió la publicación de El Túnel en la revista El Sur. ¿El resultado? Se agotó inmediatamente. Y después siguió su impecable carrera literaria. Y así llegó Sobre Héroes y Tumbas; Hombres y engranajes, Itinerario; Abaddon, el exterminador; Apologías y rechazos; entre otras.

En Achís, nos pareció una buena idea recorrer algunos pasajes de la vida del gran escritor argentino. Repasar su vida y sus fantasmas. Homenajear a un grande. Sábato no quería que la gente lo nombrara, quería que lo leyeran. Por eso, decidimos quedarnos con algunas palabras del escritor en Antes del Fin, su testimonio y legado espiritual: “No quiero morirme sin decirles estas palabras. Tenemos que abrirnos al mundo. No considerar que el desastre está afuera, sino que arde como una fogata en el propio comedor de nuestras casas. Es la vida y nuestra tierra las que están en peligro. Sí muchachos, la vida del mundo hay que tomarla como tarea propia y salir a defenderla”.

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“Soy un pintor de cuadros”

Luego de varios años de exposiciones en ámbitos públicos de gran prestigio (Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Palacio del Correo; y la realización del mural de la cúpula del Teatro Reggio), el artista Ariel Mlynarzewicz colgó Amores en la Galería de Arte Agalma. Con una pincelada clara explora el mundo –tal vez indescriptible– de los afectos, los abrazos y la proximidad. Colores puros y contrastantes dominan la muestra en la que intervienen mujeres, parejas, naturaleza y vínculos.

Para disfrutar de estas obras, nos pareció una buena idea seleccionar un fragmento de una entrevista publicada en la revista digital Esto no es una revista. Allí el periodista Javier Martínez pinta la figura del artista de una manera exquisita: “Hablar con Ariel Mlynarzewicz es internarse en un mundo en el cual el color, la perspectiva, la tela y la materia le ganan la pulseada a la tecnología. Un mundo cotidiano que este maestro del pincel convierte en verdaderas obras de arte”.

En Achís creemos que es una excelente entrevista colmada de buenas respuestas. Lo que sigue vale la pena leer:

-Tu tarjeta de presentación dice “Pintor de Cuadros” que, más que un simple modo de nombrarse, es una declaración de principios. ¿Por qué lo elegiste?

Todo empezó en alguna de las maravillosas series de grabados de Goya, no sé si es en los Caprichos o la Tauromaquia, en el que hay un autorretrato que dice “FCO Francisco de Goya y Lucientes, pintor de cuadros” o algo así. Y me pareció una presentación tan honesta, humilde y sincera que la tomé, haciéndole honores al gran maestro y, aparte, porque representa lo que somos, más allá del talento de cada quien. Volviendo al oficio de pintor, nombrarse así es una manera de hacerle honor. Sobre todo en un momento en el que se promueve tanto otro tipo de expresiones artísticas más contemporáneas utilizando herramientas más tecnológicas y demás, reconocerse como un simple pintor de cuadros, para mí que no sé prender una computadora,  es plantear con honestidad lo que hago. Quizás un artista, hoy, es alguien que se dedica a hacer instalaciones, con un gran taller y 20 empleados que le hacen las cosas. Yo soy un simple pintor, casi un artesano que pinta a mano sus cuadros. Incluso, cuando pinté la cúpula del Teatro Regio también opté por pintarla solo, sin asistentes, porque me pareció una experiencia interesante para vivirla solo. Por eso me gusta presentarme de esa manera. No me pidan más nada que no sea pintar cuadros (risas).

-Color, materia y perspectiva. ¿Cómo juegan esos tres conceptos en tu trabajo?

Depende del cuadro. Hay cuadros donde prima el color, donde lo que tiene que ver con la composición en cuanto a perspectiva o planos de profundidad puede dejarse de lado. Hay otros tipos de cuadro donde prima el dibujo, la profundidad, el espacio, como esos abrazos que pinté en blanco y negro donde hay un manejo del espacio, una prioridad en mi manera de concebir el cuadro que tiene que ver con el manejo del espacio. En general, cuando hay materia hay color. Cuando tengo ganas de poner materia es, también, con mucho color. Y hay cuadros en los que están más equilibrados estos tres recursos.

-¿Cuál de esos recursos es el que más te gusta?

El tema de la materia es ancestral, ¿no? Más que trabajo es juego; la actitud lúdica que uno tiene frente a grandes cantidades de materia con olor a trementina, aceites es un recuerdo infantil, de una etapa anal. Y uno empieza a tener algunas sensaciones de ese mundo pre-infantil en el cual era inmensamente feliz. Creo que ahí es donde uno tiene puesto el deseo en algo ancestral. Mientras que cuando uno está dibujando, entre otras cuestiones, hay otro tipo de reflexión. El dibujo diseña, ordena, tiene un carácter más maduro.

Primero, la obra en palabras del autor. Luego, la obra:

Más info:  

Ariel Mlynarzewicz
Del 6 de abril al 6 de mayo de 2011

Galería de Arte Agalma
(Arroyo 882, Buenos Aires)

www.agalmaarte.com

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Elogios a Nicola

Cajas, 2000. Calco de nonatos de potrillos y terneros en cajas de madera. Madera y resina.

La feria de Colonia, en Alemania, le abrió las puertas a dos artistas contemporáneos argentinos: Nicola Constantino y Guillermo Kuitca. Hoy queremos explorar el mundo de Nicola. Rosarina, escultora, inventora. En 2004, presentó Animal motion Planet, unas máquinas ortopédicas para animales nonatos.

Si semejante presentación había dejado una sensación de rareza fascinante en el espectador, ese mismo año, lanzó Savon de Corps en el MALBA, una colección de productos de belleza entre los que se encontraba un jabón que contenía el tres por ciento de su grasa obtenida de una liposucción. El lema: “Tomá tu baño conmigo”.

Trilogía de bocas, 1997. Calco del natural de pollo, cerdo y boca humana en silicona.

Lo cierto es que la obra de la artista siempre genera controversias y discusiones y eso es, entre otras cosas, uno de los aspectos más interesantes del arte. En 2006, cuando ganó el Premio Petrobras, hubo quienes la acusaron de haberse inspirado demasiado en la fotografía Noire et Blanche de Man Ray.

La artista –que se duplica constantemente- adquiere cada vez más protagonismo en las ferias de arte locales e internacionales. Hoy, es uno de los rostros más buscados en Alemania. El creciente fanatismo por su obra está directamente relacionado con la forma en que desafía el punto de vista de la artista. Tampoco le importa contraponer la vida y la muerte utilizando elementos que, a veces, llegan al límite del paroxismo.

Trilogía de la muerte de Nicola III y IV, 2008. Inkjet print, 100 x 141 cm. Edición de 6.

Todos nuestros elogios son para Nicola.

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Golpes en el CCR

Hoy se inaugura la muestra de fotografía Golpes a las 19 hs en el Centro Cultural Rojas.

Después de ver las imágenes de Diego Levy, nos quedamos sin palabras. Así que, esta vez, preferimos citar las de él:

“Me gusta el Boxeo. Soy de los que lo consideran un deporte de alto rendimiento, y con reglas claras. Durante unos años lo practiqué con un entrenador que me incentivaba con frases como: los golpes no alimentan o téngale bronca al cuerpo… Por alguna razón siempre me quedaron grabadas esas frases, así como también el rostro de mi entrenador, tallado por los golpes.

Golpes es una serie de retratos de estos hombres que han dedicado sus vidas a este noble y sacrificado deporte. El conjunto de retratos suma historias en esas huellas. La quietud y la aparente serenidad en esas grietas nos muestra un pasado tormentoso. Los golpes fueron detenidos en el tiempo. Además de la inevitable reflexión, el objetivo es rendir un homenaje a estos notables y valerosos luchadores que casi siempre dejaron todo y con demasiada frecuencia se quedaron sin nada”.

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Los caminos de la fotografía

Marcos Zimmermann nos sorprende una vez más. En esta ocasión, con una entrevista a la fotógrafa y curadora argentina Sara Facio. Marcos Zimmermann acierta en que no es posible concebir la fotografía en la Argentina sin ella. Desde esa premisa, recorre su vida, desde sus inicios como artista, sus viajes a Europa, su relación con Alicia D´Amico y María Elena Walsh hasta la forma en que concibe la fotografía.

Les acercamos algunos pasajes de la fascinante entrevista Lo mío siempre fue abrir caminos publicada en la última edición de la Revista de Cultura Ñ.

-¿Entraste a la fotografía por el laboratorio?

-Sí, un 8 de diciembre el padre de Alicia no daba abasto con las fotos de comuniones que tenía que hacer y nos propuso a nosotras ir a sacar algunas fotos a domicilio. Claro, estas estudiantes de Bellas Artes con experiencia en París iluminaron aquellas fotos como si fuesen cuadros de Vermeer, no sólo con flash, sino con varias luces, algo impensado para esos casos entonces. El resultado fue que los clientes se fascinaron y nosotras quedamos encantadas…¡Sobre todo porque, por primera vez, alguien nos pagó por hacer algo que nos gustaba!

-Muchas veces te manifestaste contra expresiones de izquierda pero gran parte de tu obra es sobre escritores como Cortázar o Neruda, que eran de izquierda. ¿Cómo explicás esto?

-¡¿Qué tiene que ver?! A mí lo que me molesta es el fanatismo. Quienes dicen que porque alguien es de izquierda es bueno. O de derecha…¿Qué es eso? ¡Qué falta de equilibrio! Neruda fue el poeta de mi juventud y de mi madurez y no lo voy a desestimar porque fuera comunista. Además hay que decir que en la época en que él fue comunista…había que serlo ¡Vamos!¿Pero, es verdad…Picasso nunca se fue a vivir a la Unión Soviética! La misma Mercedes Sosa. Un día le pregunté: “pero Negra, ¿por qué sos tan comunista?” ¿sabés que me contestó? “Porque les debo mi carrera”.

-¿De verdad?

-¡Yo le contesté que su carrera se la había hecho ella sola, con su voz! por eso, no es que yo sea de izquierda o de derecha. Pero a mí no me van a decir que un fotógrafo es bueno sólo porque haga fotos de desaparecidos. ¡Si es malo es malo, así haga fotos de desaparecidos o de señoras bailando en el Alvear!

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Florencia Blanco en G7

Florencia Blanco. Irma y Aquiles, Fotografía directa, 70 x 70 cm, 2008.

La fotógrafa Florencia Blanco charló con la Revista G7 acerca del crecimiento de la fotografía en la Argentina y de su carrera como fotógrafa y asistente cinematográfica. La Colección Fotógrafos Argentinos publicó en 2010 su libro Salteños, con textos del sociólogo Christian Ferrer.

Les presentamos algunos fragmentos de la entrevista realizada por Malena Sánchez Moccero. Además, les recomendamos tres artículos de G7: la entrevista a la artista plástica Adriana Minolti, el acercamiento a la obra del realizador de videoarte Andrés Denegri y las reflexiones de Nahuel Vecino.

Florencia Blanco. Jesús, Rubén y Adrián, Fotografía directa, 70 x 70 cm, 2008.

¿Qué convierte a una persona con una cámara en una artista?

Más allá del manejo básico de la cámara, un fotógrafo tiene que contar algo, tener cierta poesía, una metáfora. Debe sumergirse en un relato que resulte interesante para él y para el público. Eso no figura en los manuales de las cámaras digitales.

¿Creés que los artistas cumplen un rol social?

Sí. Los artistas siempre están afectados por lo que sucede alrededor, que se inmiscuye en su relato. Creo que todas las artes tienen una relación profunda con el entorno, con la cultura, con lo que pasa en un país, en una ciudad, en un grupo social.

¿Pensás en el espectador cuando tomás una fotografía?

No. Si pienso en el público, las fotos salen mal porque me desconcentro. El foco tiene que ponerse en el lugar donde estoy, en aquello con lo que me estoy contactando, que me emociona. Para hacer fotos, hay que estar muy presente en el aquí y ahora.

¡Salud!

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